{"title":"Or - Argent - Metal","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNotre sélection d’objets ornés d’or, d’argent ou d’accents métalliques met en valeur le raffinement et la richesse des arts d’Asie. L’or symbolise la lumière, la prospérité et l’éclat intemporel, l’argent évoque la pureté, la modernité et la fluidité, tandis que les finitions métalliques apportent profondeur et caractère. Qu’il s’agisse de laque japonaise rehaussé de poudre d’or, d’une pièce chinoise en bronze ou d’une sculpture contemporaine aux reflets métallisés, ces objets illuminent un intérieur et renforcent son élégance. Cette sélection vous permet de parcourir nos œuvres par éclat et de trouver facilement l’objet idéal pour créer un point focal lumineux et sophistiqué.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"brule-parfum-en-ceramique-kutani-nakamura-takuo-baisan-iii","title":"Brûle parfum en céramique, Kutani, Nakamura Takuo, Baisan III","description":"\u003cp\u003eBrûle parfum, Nakamura Takuo, Baisan III\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBrûle-parfum en terre rouge modelé par Nakamura Takuo, également connu sous le nom de Baizan III. L’œuvre joue sur le contraste entre la base brute, sculptée à même la terre, aux formes anguleuses et puissantes, et le couvercle émaillé, lisse, orné de motifs géométriques typiques de la tradition Kutani. Les émaux aux teintes vives — jaune, vert et rose orangé — sont enrichis de rehauts d’or, conférant à l’objet une présence presque joaillière, comme un bijou surgissant de la roche.-\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe koro, ou brûle-parfum, réalisé vers 2001, peut être rapproché d’une œuvre conservée au Metropolitan Museum. Il témoigne de la capacité de Nakamura Takuo à fusionner héritage et modernité. Né en 1945 à Kanazawa, il s’inscrit dans la lignée des maîtres de la porcelaine Kutani. Formé auprès de son père, Baizan Nakamura, il approfondit les techniques d’émail à Seto puis en Italie auprès d’Ardo Rontini. Son travail est marqué par l’influence du mouvement Rinpa de l’époque Edo, dont il transpose les codes décoratifs dans des compositions résolument contemporaines.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe modelage expressif de la base révèle une approche sculpturale où la matière garde sa force tellurique. Ce socle accidenté fait émerger le couvercle comme une forme précieuse, équilibrant rudesse et raffinement. L’ensemble fonctionne comme un paysage abstrait, un dialogue entre nature minérale et culture ornementale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes œuvres de Nakamura Takuo figurent dans de nombreuses collections privées ainsi que dans les collections permanentes de musées internationaux, dont le Metropolitan Museum of Art à New York. Ce brûle-parfum en est une synthèse brillante, aussi bien pour un amateur éclairé que pour un décorateur en quête de pièces fortes, sculpturales et habitées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHauteur : 10,5 cm\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDimensions : env. 18 x 10,5 cm\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTomobako (boîte en bois) signé.\u003c\/p\u003e","brand":"My Store","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51644328706394,"sku":null,"price":2600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_005_20250528_093227.jpg?v=1752136686"},{"product_id":"grand-vase-en-ceramique-fujimura-hoshu-1903-1970-japon-vers-1950-60","title":"Grand vase en céramique, Fujimura Hoshu (1903–1970), Japon vers 1950-60","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePièce spectaculaire tant par sa taille que par la force de son décor, ce grand vase en faïence fine émaillée - typique de la tradition Kutani - incarne l’élan de renouveau qui anime la céramique japonaise dans les années 1950. Réalisé par Fujimura Hoshu (1903–1970), l’un des artisans majeurs de la céramique de Kutani moderne, il témoigne d’une recherche d’équilibre entre tradition ornementale et expressivité contemporaine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe fond dominé par des tonalités profondes de bleu et de vert, fait vibrer la surface tout en servant d’écrin à un motif stylisé d’hortensias en léger modelé, devant lequel se détachent, en pâte sur pâte crème soulignée d’un cerne gris perlé, de grands oiseaux en vol. L’ensemble joue sur les volumes, les rythmes, les contrastes mats et brillants grâce à des rehauts d’or, dans un langage purement décoratif d’une rare cohérence.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe grand vase boule de 40 centimètres de hauteur était probablement destiné à une exposition, tant sa présence visuelle dépasse le registre domestique. Son auteur, Fujimura Hoshu, formé à Kanazawa, est l’un des rares céramistes de Kutani à avoir traversé les bouleversements du Japon de l’après-guerre en continuant à présenter des pièces aux expositions Teiten, puis  Nitten, les salons nationaux de référence. Il y fut sélectionné régulièrement entre 1947 et 1965, période durant laquelle il développe un style personnel, à la fois raffiné, audacieux et profondément ancré dans l’esthétique décorative japonaise.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe vase s’impose ainsi comme une œuvre de collection, mais aussi comme un objet de décoration intérieure à part entière, capable d’occuper l’espace avec noblesse et modernité. Il incarne l’esprit de transition du Kutani de l’après-guerre : enraciné dans la tradition, mais ouvert à de nouvelles formes d’expression visuelle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHauteur 40cm – Diamètre 38cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eTomobako d’origine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"My Store","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51651626598746,"sku":null,"price":4600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_008_20250616_172725.jpg?v=1752213894"},{"product_id":"paravent-le-dit-du-genji-japon-epoque-edo-debut-19e","title":"Paravent le dit du Genji, Japon époque Edo début 19e","description":"\u003cdiv class=\"titre\"\u003eParavent le dit du Genji, Japon époque Edo début 19e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"texte\"\u003e\n\u003cp\u003ePeinture sur papier, pigments minéraux et feuille d’or, montée en paravent à 6 feuilles. Bordures en brocard de soie et bois laqué, ferrures de protection en laiton gravé.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCe paravent de l’époque Edo, datant du début du XIXe siècle, représente plusieurs scènes tirées du Dit du Genji, une œuvre littéraire majeure écrite par Lady Murasaki au début du XIe siècle. Ce roman, souvent considéré comme le premier roman de l’histoire, narre la vie et les amours de Hikaru Genji, prince de la cour impériale.\u003cbr\u003eLa partie centrale de ce paravent est particulièrement remarquable. Elle illustre le chapitre 24 du Dit du Genji, dans lequel des jeunes filles de cour, vêtues comme des papillons et des oiseaux kalavinka, dansent sous les cerisiers en fleurs. La beauté de cette scène est saisissante montrant à la fois les personnages de cour mais aussi les danseuses et les musiciens. Le kalavinka, un oiseau mythique dont le chant mélodieux est considéré comme la voix du \u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003eBouddha, ajoute une dimension spirituelle à cette représentation.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003eL'événement décrit dans ce chapitre est une cérémonie officielle de lecture de sutras bouddhistes, parrainée par l'Impératrice. Cette cérémonie, reflétant la piété et le soutien de la cour impériale envers le bouddhisme, souligne l'importance des rituels religieux dans la société aristocratique de l'époque Heian (\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"tel:794-1185\" style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e794-1185\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e). Les rituels bouddhistes étaient souvent intégrés aux festivités de la cour, symbolisant à la fois la dévotion religieuse et le raffinement culturel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cdetails open=\"\"\u003e\n\u003cdiv class=\"descriptif_suite\"\u003e\n\u003cp\u003eLes autres scènes montrent des scènes plus intimistes comme celle de droite où les femmes sont occupées à laver un enfant dans une bassine en laque.\u003cbr\u003eHistoriquement, l’époque Edo (1603-1868) est marquée par une paix relative et une prospérité économique qui permettent un développement artistique florissant. Les paravents comme celui-ci sont des exemples typiques de l’art de cette période, combinant des éléments esthétiques et narratifs pour capturer l’essence des œuvres littéraires classiques. \u003cbr\u003e106 x 362 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/details\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51665426350426,"sku":null,"price":9500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_20240531_120443.jpg?v=1752411285"},{"product_id":"japon-paravent-a-deux-feuilles-les-marchands-chinois-epoque-edo","title":"Japon, Paravent à deux feuilles, Les marchands Chinois, époque Edo.","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eJapon, Paravent à deux feuilles, Les marchands Chinois, époque Edo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAu début du XIXᵉ siècle, alors que les Tokugawa appliquent depuis plus d’un siècle la politique du sakoku, Nagasaki reste le seul trait d’union entre le Japon et l’étranger. L’étroite enceinte du Tōjin yashiki, réservée aux marchands chinois et jouxtant l’îlot de Dejima où résident les Hollandais, devient le théâtre de ces échanges strictement contrôlés. Chaque année, des jonques chinoises y accostent : elles déchargent soie brute, étoffes rares, sucre raffiné, ginseng et herbes médicinales, puis repartent chargées de céramiques, de cuivre et de laques.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCantonnés trois à quatre mois dans ce quartier clos, les négociants chinois jouent un rôle pivot car ils servent d’intermédiaires obligés à l’économie japonaise et, inversement, alimentent le marché chinois, asiatique et parfois occidental en produits japonais, maintenant ainsi un lien bilatéral vital malgré le cloisonnement politique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eC’est dans ce contexte qu’a été peint ce paravent à deux feuilles, utilisant des pigments minéraux sur papier et posés sur un fond de feuilles d’or. L’entourage est en bois laqué noir.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl représente des marchands chinois du 18\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eème\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes deux premiers marchands, richement enveloppés de lourds manteaux, avancent précédés de deux gorals au pelage sombre ponctué de taches claires. Les gorals sont des chèvres montagnardes d’Asie centrale. C’est une allégorie directe du « Poème des chèvres bleues » de l’empereur Qianlong, qui célèbre la fragilité souveraine et la vigueur maîtrisée de ces bêtes, symboles de la conquête du Xinjiang et de la puissance civilisatrice du pouvoir Qing (« Demeurant maîtresses de la roche, ces chèvres plient sans jamais ployer »).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDerrière eux, deux autres négociants, leurs manteaux aux teintes plus vives, cheminent aux côtés d’un enfant qui tient en laisse un chien à l’allure alerte. Le garçon incarne la transmission familiale du négoce et la volonté d’un commerce pérenne tandis que le chien, par sa vigilance, rappelle la loyauté contractuelle nécessaire dans un échange strictement régulé.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eStylistiquement, ce byōbu s’inscrit dans la tradition du kara-e, peinture de style chinois qui connaît un regain d’intérêt à la fin du XVIIIᵉ et au début du XIXᵉ siècle. Réalisée sur de grands formats comme les paravents, elle puise ses sujets dans l’univers visuel de la Chine impériale : scènes de lettrés, paysages classiques, animaux symboliques ou épisodes de la mythologie. Contrairement au yamato-e, qui célèbre les thèmes spécifiquement japonais, le kara-e témoigne d’une connaissance précise des codes esthétiques, des récits historiques et des représentations sociales venues du monde mandchou.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eÀ cette époque, on observe également une relecture de certains motifs issus du style namban – pourtant propre au tournant des XVIᵉ et XVIIᵉ siècles. Le style namban, qui avait introduit dans la peinture japonaise l’image spectaculaire des marchands portugais arrivant au Japon, avec leurs costumes, leurs bateaux et leurs animaux exotiques, est réinvesti dans un nouveau cadre. Le paravent ici présenté, bien que relevant pleinement du kara-e par son traitement pictural et sa référence explicite à la Chine impériale, entretient un dialogue formel et iconographique avec ces paravents namban. À la figure du marchand portugais s’est substituée celle du négociant chinois.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe parallèle n’est pas anecdotique. Il révèle que, tout comme le namban-e avait été une manière de mettre en image la nouveauté et l’importance des échanges avec l’Europe au début de l’époque Edo, le kara-e s’est emparé du motif du marchand chinois pour inscrire visuellement la centralité renouvelée de la Chine dans les échanges commerciaux et culturels du Japon sous sakoku. Leur intégration ne relève donc pas d’une simple fascination pour l’étranger, mais d’une logique savante et économique : celle de représenter, par des moyens visuels codifiés, un monde extérieur perçu comme une source légitime de références commerciales. Malgré la limitation, après 1764, à onze jonques chinoises par an, le volume de leurs échanges restait trois à cinq fois supérieur à celui des Hollandais de Dejima. Les produits exportés depuis le Japon étant revendus en Chine mais aussi aux occidentaux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDéveloppé par les ateliers de la cour, en particulier l’école Kano, ce répertoire conquiert ensuite les demeures des marchands et des gouverneurs provinciaux, désireux d’affirmer leur réussite par l’acquisition de pièces influencées par la culture mandchoue.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes paravents kara-e, devenus symboles de prospérité, rappelaient au quotidien l’équilibre délicat entre la fermeture politique du sakoku et la dépendance économique vis-à-vis du monde extérieur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHauteur : 172,5 largeur totale 190cm, épaisseur 2cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51665711300954,"sku":null,"price":12500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_20250304_104444.jpg?v=1752414895"},{"product_id":"grand-plat-en-ceramique-hajime-gen-kozuru-ne-en-1938","title":"Grand plat en céramique, Hajime Gen Kozuru né en 1938","description":"\u003cp\u003eHajime Gen Kozuru, né en 1938, est issu d'une longue lignée de céramistes japonais spécialisés dans le style Agano à Fukuoka. \u003cbr\u003eDepuis plus de trente ans, Kozuru partage son temps entre son atelier à Fukuoka et une ferme\/atelier datant de 1847 à Topsfield dans le Massachusetts. \u003cbr\u003eEn novembre 2008, Kozuru a célébré son soixante-dixième anniversaire, un jalon important honoré par le Art Complex Museum (Duxbury, Massachusetts) à travers une exposition personnelle. Cette exposition présentait à la fois des œuvres provenant de la collection du musée qui en compte plus de 30 et de nouvelles créations.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTout au long de sa carrière, Kozuru a exposé dans de nombreux musées et galeries au Japon et aux États-Unis, recevant de nombreux prix pour son excellence artistique. Il a également contribué à la connaissance du style Agano en écrivant des livres sur les fouilles et recherches qu'il a menées sur les anciens sites de fours à bois d’ Agano. Son travail a approfondi la compréhension de l'histoire, des techniques et du contexte culturel du style Agano. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon œuvre puise son inspiration de son environnement, fusionnant des éléments de la Nouvelle-Angleterre avec ceux de son Japon natal. En 2020, la galerie Fukuoka Mitsukoshi a organisé une exposition rétrospective dédiée à la famille Kozuru, soulignant la continuité de la tradition céramique avec sa fille, qui poursuit désormais l’héritage familial, travaillant à la fois la céramique et le verre.\u003cbr\u003e57 x 11,3\u003cbr\u003eTomobako signé\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51676489384282,"sku":null,"price":5500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_000_20240910_082723_72be01c3-cd43-43f9-861a-7c796372c46e.jpg?v=1752520476"},{"product_id":"boite-en-laque-jubako-a-cinq-compartiments-japon-vers-1920-1940","title":"Boîte en laque, jubako à cinq compartiments, Japon, vers 1920 - 1940","description":"\u003cp\u003eBoîte jubako à cinq compartiments, Japon, vers 1920 - 1940. \u003cbr\u003eCe jubako, se compose de cinq modules superposés, accompagnés de deux couvercles. Cette structure permet de scinder la boîte en deux piles distinctes : une de trois compartiments, une autre de deux, chacune pouvant être refermée par son propre couvercle. Cette modularité s’explique par l’usage cérémoniel des jubako, boîtes à aliments réservées aux grandes fêtes comme le Nouvel An ou le Tango no Sekku, le festival des garçons. Selon le nombre d’invités ou la nature des mets, on utilisait tout ou partie des compartiments.\u003cbr\u003eLe décor est d’une très belle qualité, appliqué à la poudre et à la feuille d’or, avec des rehauts vermillon sur une laque noire profonde. Il représente des objets votifs associés au nouvel an et au festival des garçons : carpe, casque, sabre miniature, langouste et plantes symboliques. L’intérieur et le revers des couvercles est laqué rouge, orné d’un masque de Nô en laque de différents tons d or.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003ePeu utilisées dans l’année, soigneusement rangées dans leur boîte de protection d’origine, ces jubako ont conservé un état exceptionnel. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eDimensions : 22 cm de large, 23 cm de long. Pile de trois compartiments + couvercle : 24 cm de haut ; pile de deux + couvercle : 14 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51676511568218,"sku":null,"price":4600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_006_20250414_145802.jpg?v=1752521037"},{"product_id":"vase-en-gres-a-reflets-metalliques-de-kokuryo-hisato-1939-2020","title":"Vase en grès à reflets métalliques de Kokuryo Hisato 1939 - 2020","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eKokuryo Hisato (1939–2020) est un céramiste japonais originaire de Kyoto, dont l’œuvre allie la tradition de la céramique Kyō-yaki et une créativité personnelle affirmée. Le vase présenté ici, en grès argenté à reflets métalliques d’environ 25,5 cm de hauteur, illustre parfaitement sa production de la fin du XXe siècle. De forme parallélépipédique irrégulière, il est orné d’un décor original de pastilles émaillées vert cerclées de rouge, un motif audacieux qui attire le regard. Cette pièce unique témoigne du parcours riche de l’artiste, de sa formation auprès des maîtres de la céramique de Kyoto à son indépendance artistique au sein de son propre four Mizuho-gama, et s’inscrit dans l’évolution stylistique de Kokuryo Hisato dans les années 1985–1995.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eParcours et formation de Kokuryo Hisato\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNé en 1939 à Kyoto, Kokuryo Hisato s’est formé dans la plus pure tradition de la céramique japonaise. Il a été le dernier disciple du grand maître Kenkichi Tomimoto – reconnu Trésor National Vivant – et a également reçu l’enseignement de Kanjiro Kawai et de Kiyomizu Rokubei, deux figures éminentes de la céramique de Kyoto. Dès ses débuts, Kokuryo se distingue par son talent: encore jeune, il est primé dans de prestigieux salons et expositions au Japon, notamment au Nitten, au Takumi-kai, à l’Exposition Asahi et à l’exposition municipale des arts de Kyoto. Cet apprentissage auprès de maîtres illustres, doublé d’une reconnaissance précoce, a forgé sa maîtrise technique et son sens esthétique. Il hérite de la rigueur et du raffinement de la tradition céramique de Kyoto, tout en développant une sensibilité propre qui le conduira vers une voie artistique personnelle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIndépendance artistique et four Mizuho\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMalgré son succès initial dans les cercles artistiques, Kokuryo Hisato choisit de s’émanciper des voies traditionnelles pour affirmer sa propre vision. Il fonde son atelier personnel, le four Mizuho (Mizuho-gama), dont le nom – ainsi que son nom d’artiste Tōsai – lui est conféré par le moine bouddhiste Ekishū Takeda, supérieur du temple Kennin-ji à Kyoto . Vers la fin des années 1960, face au milieu de l’art céramique qu’il juge trop attaché aux titres, à la notoriété et aux intérêts commerciaux, Kokuryo quitte les associations officielles et les salons compétitifs pour se consacrer à une création indépendante . Cette prise de distance marque le début d’une liberté artistique totale : libéré des contraintes des écoles et concours, il peut désormais expérimenter formes et techniques selon son inspiration. Son four Mizuho devient le creuset de ses innovations, un lieu où il marie l’héritage de Kyoto (émail polychrome, savoir-faire du grès) avec une recherche personnelle d’authenticité et de simplicité. Kokuryo oriente alors son travail vers des pièces destinées à embellir le quotidien, estimant que la vraie richesse culturelle réside dans les objets usuels qui apportent joie et beauté à la vie de tous les jours. Il met un point d’honneur à créer des céramiques non seulement décoratives, mais aussi fonctionnelles et accessibles, en accord avec sa philosophie de l’art de vivre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn vase singulier des années 1985–1995\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe vase en grès argenté à reflets métalliques s’inscrit dans la période de maturité de Kokuryo Hisato, créé entre 1985 et 1995. Durant cette décennie, l’artiste, alors à l’apogée de sa liberté créative, explore des formes et des effets de surface inédits. La forme de ce vase – un parallélépipède irrégulier dont tous les bords ont été arrondis – traduit une approche résolument moderne et sculpturale. Kokuryo s’écarte ici du tournage symétrique pour adopter un façonnage plus libre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSur le plan visuel, la surface irrégulière, argentée à reflets métalliques comme des oxydations est le trait le plus frappant de l’œuvre. Cette finition moirée et légèrement brillante est obtenue grâce à une glaçure métallifère particulière obtenue par une cuisson en réduction maîtrisée – qui dépose un voile argenté aux reflets changeants sur le grès. Ce traitement confère à la pièce une aura précieuse et contemporaine, tout en conservant la robustesse et la profondeur texturée du grès. Le décor polychrome, quant à lui, apporte une touche d’exubérance : de petites pastilles circulaires émaillées en vert sont disposées sur les faces du vase, chacune étant soulignée d’un fin liseré rouge et or, couleurs traditionnelles des émaux de Kitani. Ce motif de ronds crée un contraste dynamique avec le fond argenté.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eStyle et techniques : une œuvre entre héritage et innovation\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe vase incarne les caractéristiques stylistiques développées par Kokuryo Hisato à la suite de son émancipation artistique. La liberté de forme – illustrée par la géométrie asymétrique du vase – reflète l’indépendance d’esprit de l’artiste. En s’affranchissant des contraintes formelles, Kokuryo a pu intégrer à ses créations des influences variées : on peut voir, dans le motif des pastilles émaillées, un clin d’œil aux décors ornementaux traditionnels du Kyō-yaki (tels que les médaillons floraux ou géométriques), revisités ici de façon très personnelle. L’audace chromatique – ce mariage de vert et de rouge sur fond argent – est emblématique de son style des années 1980-90, où il n’hésite pas à conjuguer les techniques ancestrales d’émaillage avec des effets visuels innovants. Sur le plan technique, la maîtrise de la glaçure à reflets métalliques démontre le haut niveau de savoir-faire du potier. Ce type de glaçure exige une grande précision dans la composition des émaux et dans la conduite de la cuisson, afin d’obtenir ce brillant métallique sans altérer les couleurs appliquées. Kokuryo, fort de l’enseignement de Tomimoto (orienté vers les émaux décoratifs) et de Kawai (porté sur les glaçures et la spontanéité du geste), parvient à fusionner ces héritages dans ce vase : le raffinement décoratif coexiste avec la forme épurée et l’usage libre des matériaux. On reconnaît également dans cette pièce l’importance qu’il accorde à la fonction utilitaire de l’objet d’art. En effet, bien que sculptural et destiné à être admiré, ce vase demeure un récipient fonctionnel, conçu pour accueillir une composition florale (ikebana) ou servir de pièce maîtresse décorative dans un intérieur. Il répond ainsi à la vision de Kokuryo selon laquelle la beauté de la céramique doit s’intégrer au quotidie\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa signature de Kokuryo est présente sous la base du vase ainsi que sur son tomobako d’origine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e25,5 x 15 x 10 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51711653577050,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Hisato.jpg?v=1769961275"},{"product_id":"plateau-en-laque-a-decor-de-fleurs-japon-fin-de-l-epoque-meiji","title":"Plateau en laque à décor de fleurs, Japon fin de l’époque Meiji","description":"\u003cp\u003eJapon, plateau en laque à décor de fleurs, fin de l’époque Meiji.\u003cbr\u003eCe plateau japonais en laque maki-e d’époque Meiji (1868-1912), réalisé avec maîtrise et raffinement, présente un décor luxuriant de végétaux délicatement exécutés en laque d’or sur fond noir brillant. \u003cbr\u003eSa forme rectangulaire aux angles subtilement biseautés repose sur quatre pieds galbés soulignant la finesse de l’ensemble.\u003cbr\u003e Le décor foisonnant recouvrant le dessus , le bord inférieur du plateau et les pieds, réunit avec précision et réalisme glycines, chrysanthèmes, campanules, feuillages de vigne et fougères dans un enchevêtrement gracieux et naturaliste. \u003cbr\u003eLes nuances d’or, ponctuées de subtiles touches argentées, soulignent chaque pétale et feuille avec finesse, témoignant d’un grand savoir-faire tant par l’élaboration du motif que par sa réalisation.\u003cbr\u003e Au Japon, ce type de plateau servait traditionnellement à présenter un brûle-parfum accompagné de son nécessaire à encens ou une délicate composition florale d’ikebana lors de cérémonies raffinées. \u003cbr\u003eEn Occident, il constitue un support idéal pour mettre en valeur une collection d’objets précieux tels que des inr? ou netsuke, ou bien pour un élégant service de petit-déjeuner.\u003cbr\u003eDimensions : 54,6 x 38,8 cm, hauteur 14,4 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51769287311706,"sku":null,"price":3800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/7F7F6CA2-1424-4FBC-845E-738933552940.jpg?v=1753602852"},{"product_id":"vase-en-porcelaine-inoue-haruo-1910-1975","title":"VASE EN PORCELAINE, INOUE HARUO (1910-1975)","description":"\u003cp class=\"dc_article\"\u003e\u003cstrong\u003eRare vase en porcelaine par Inoue Haruo (1910-1975)\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cdiv class=\"dl_article\"\u003e\n\u003cp\u003eCe vase en porcelaine, créé par Inoue Haruo, incarne l’élégance et la finesse de la céramique de Kyoto. Sa forme sphérique adoucie par des courbes harmonieuses, est surmontée d’un col légèrement évasé et étroit. La surface du vase est décorée d’épis de blés délicatement courbés sous un soleil voilé et subtilement intégrés dans la teinte beige pastel de l’ensemble, rappelant la nature éphémère et la beauté simple qui caractérisent le travail d’Inoue Haruo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eInoue Haruo (1910-1975) né en 1910, a suivi une formation rigoureuse à l’Institut municipal de formation en céramique de Kyoto, une institution réputée pour former certains des plus grands potiers du Japon. Après la Seconde Guerre mondiale, Inoue a commencé à exposer ses œuvres dans des expositions prestigieuses telles que Kanten puis Nitten.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes œuvres d’Inoue se distinguent par leur délicatesse et leur recherche constante d’innovation. Cette quête de renouveau dans un art aussi traditionnel que la céramique kyo a permis à Inoue de se faire une place de choix dans le milieu artistique japonais.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl a fait partie de l’Association des arts décoratifs du Japon qui a organisé une exposition à la Galerie d’art moderne du Queensland en Australie en 1970.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe vase, par sa simplicité apparente et sa sophistication sous-jacente, illustre parfaitement la philosophie artistique d’Inoue Haruo : une combinaison de respect des traditions et d’audace créative. Ses œuvres sont rares sur le marché.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51772068790618,"sku":null,"price":1600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/5A4835BE-8120-4CDD-BD3E-96E48D094D7B.jpg?v=1753603218"},{"product_id":"japon-grand-chat-endormi-en-porcelaine-japonaise-de-kutani-epoque-meiji","title":"Japon, Grand Chat Endormi En Porcelaine Japonaise De Kutani, époque Meiji","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJapon, Chat endormi grandeur nature, en porcelaine japonaise de Kutani, époque Meiji\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe chat en porcelaine Kutani, datant de l’époque Meiji, est une pièce exquise représentant un “nemuri neko” (chat endormi ou paisible). Inspirée de la célèbre sculpture en bois située au sanctuaire Toshougu à Nikko, réalisée par Hidari Jingoro, cette œuvre symbolise la sérénité et la paix.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe chat est réalisé en porcelaine fine d’un blanc pur de façon très artisanale, grâce à un moule en plusieurs parties. Il est orné de motifs dorés délicatement appliqués pour représenter sa fourrure. Son cou est orné d’une écharpe émaillée rouge, rehaussée de motifs verts et jaunes qui ajoute une touche de réalisme et d’élégance. Les détails, comme l’expression apaisée et les lignes fluides du corps, reflètent une maîtrise technique exceptionnelle propre à la porcelaine Kutani.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes dimensions rendent cette pièce idéale pour être exposée comme objet de collection ou élément décoratif. Cet objet capture parfaitement l’esprit tranquille du nemuri neko, un symbole de paix et d’harmonie dans la culture japonaise.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e31 x 18 x 14cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51773243588954,"sku":null,"price":1700.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/0A020B84-73CF-4EB8-A03D-802028582D38.jpg?v=1753620014"},{"product_id":"grande-boite-en-laque-et-vannerie-chine-epoque-ming","title":"Grande boite en laque et vannerie, Chine, époque Ming","description":"\u003cdiv class=\"titre\"\u003e\u003cstrong\u003eGrande boite en laque et vannerie, Chine époque Ming\u003c\/strong\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"titre\"\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"texte\"\u003e\n\u003cp\u003eGrande boite en laque or sur fond noir ornée de panneaux de vannerie recouverts de laque rouge. \u003cbr\u003eInscription au fond du couvercle faisant référence à un hall.\u003cbr\u003eChine, fin de l époque Ming, début du 17 eme siècle.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e70x40x16cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51774734500186,"sku":null,"price":8500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/9054F9F2-62F3-4DA1-9FB9-92B0125ABBF2.jpg?v=1753631772"},{"product_id":"paravent-a-six-feuilles-ecole-de-kano-japon-epoque-edo","title":"PARAVENT À SIX FEUILLES, ÉCOLE DE KANO, JAPON ÉPOQUE EDO","description":"\u003cp\u003eParavent à six feuilles, école de Kano, Japon époque Edo\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe paravent japonais à six panneaux, de l’école de Kano, illustre un paysage fluide et épuré, typique de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle. La scène, exécutée à l’encre et rehaussée de feuilles d’or, présente une barque glissant sur une rivière, encadré par un pin noueux et des rochers escarpés. Elle conduit un lettré accompagné de ses élèves. La composition reflète une atmosphère de calme méditatif, accentuée par la lumière scintillante des fonds dorés qui symbolisent l’éternité et la spiritualité dans l’art japonais.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eL’école Kano, fondée au XVe siècle, dominait la peinture officielle au Japon à l’époque Edo (1603-1868). Ce paravent témoigne de l’élégance de cette école, marquée par l’équilibre entre tradition chinoise et esthétique japonaise. Ces œuvres ornaient les demeures des élites et des samouraïs, véhiculant prestige et raffinement.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCe paravent est une pièce rare, conservée en très bon état, qui illustre l’apogée du style Kano, alliant maîtrise technique et symbolisme poétique.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEncre et or sur papier sur armature en bois, bordures en soie et baguettes en laque noire. \u003cbr\u003eSignature sur le panneau droit non identifiée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eEnviron 170 x 360 cm\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52015934210394,"sku":null,"price":8700.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/DFDC6E67-B0FB-4C05-A4D3-BD29DBE65621.jpg?v=1756205063"},{"product_id":"paravent-ecole-de-kano-periode-edo-fin-du-17eme-siecle","title":"PARAVENT, ECOLE DE KANO, PÉRIODE EDO, FIN DU 17ÈME SIÈCLE","description":"\u003cp\u003eJapon, paravent, Ecole de Kano, période Edo, fin du 17ème siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e Ce paravent à 6 feuilles représente un jardin idyllique où un couple de faisans et un couple de canards se reposent paisiblement au bord d’une petite cascade entre les rochers. A gauche, un cyprès noueux est recouvert de neige tandis que des camélias apportent des notes de couleur, faisant ainsi référence à l’hiver. La partie droite du paravent montre des pivoines épanouies faisant  référence au printemps.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e Au Japon, la progression des changements saisonniers est un élément important dans l'appréciation de l'art et de la beauté, car elle est étroitement associée à la conscience du passage du temps et de l'évanescence de la nature.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e En Chine et au Japon, la pivoine , appelée «la reine  des fleurs»,  est l’emblème de la richesse et d’un statut ou rang social élevé.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePigments minéraux, gofun et or sur papier. Monture en laque noire.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEcole de Kano, Epoque Edo, fin du 17ème siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e172 X 370 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52030103912794,"sku":null,"price":35000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/0926C899-4EAB-4A8C-BA36-05C1D2F21A84.png?v=1756299837"},{"product_id":"japon-collier-en-nunome-zogan-signe-fukui-epoque-meiji","title":"JAPON, COLLIER EN NUNOME-ZOGAN, SIGNÉ FUKUI, ÉPOQUE MEIJI","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe collier rare illustre à la perfection la maîtrise du nunome-zōgan, le damasquinage japonais, qui consiste à incruster de fines feuilles ou fils d’or dans un fond de fer soigneusement gravé. Chaque médaillon en forme de fleur, relié par une délicate monture en métal doré, présente un décor finement ciselé où paysages, animaux et symboles traditionnels se déploient avec précision. Le contraste entre le noir profond du fer poli et l’éclat de l’or confère à l’ensemble une richesse visuelle qui évoque la préciosité des parures de cour de l’époque Meiji.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn double fermoir permet d’ajuster la longueur du collier, preuve que l’objet alliait raffinement esthétique et ingéniosité pratique. Le revers des médaillons, également décoré, témoigne d’un soin apporté à chaque détail, visible ou caché. La signature en creux de Fukui, l’un des ateliers réputés de la fin du XIXᵉ siècle, ancre cette œuvre dans le cercle des grands maîtres du damasquinage, dont le savoir-faire était alors très recherché par les collectionneurs occidentaux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRéalisé vers 1900, ce bijou ne se limite pas à l’ornement : il incarne l’adaptation des traditions métallurgiques japonaises à l’univers du bijou, dans un moment charnière où l’artisanat nippon dialoguait avec le goût international. À travers ce collier, la technique séculaire du nunome-zōgan se métamorphose en objet de parure, rare témoignage d’un art subtil et d’une époque de grande effervescence créative.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52031374033242,"sku":null,"price":2300.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/JAPON_COLLIER_EN_NUNOME-ZOGAN_SIGN_FUKUI_POQUE_MEIJI.png?v=1766250274"},{"product_id":"recipient-a-eau-mizusashi-de-nakamura-takuo-baizan-iii","title":"RÉCIPIENT À EAU (MIZUSASHI) DE NAKAMURA TAKUO (BAIZAN III)","description":"\u003cp\u003eRécipient à eau (mizusashi) de Nakamura Takuo (Baizan III)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe récipient à eau, ou mizusashi, créé par Nakamura Takuo, également connu sous le nom de Baizan III, est un magnifique exemple de l’art céramique contemporain japonais. Né en 1945 à Kanazawa, Japon, Nakamura Takuo est profondément influencé par les traditions centenaires de la porcelaine Kutani, qu’il combine avec une approche moderne. Il a étudié sous la tutelle de son père, Baizan Nakamura, et a également approfondi ses connaissances en émail à Seto, au Japon, ainsi qu’en Italie sous la direction d’Ardo Rontini.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre, vers 2001, comparable à une pièce conservée au Metropolitan Museum, reflète l’influence esthétique du mouvement Rinpa de la période Edo. Les structures multi-couches et les motifs géométriques dorés du mizusashi démontrent une compréhension profonde des techniques et des designs traditionnels et contemporains. Nakamura Takuo intègre harmonieusement les couleurs vives et les motifs décoratifs inspirés de l’époque Edo, créant ainsi une œuvre qui respecte les traditions tout en innovant.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa complexité de la forme et la richesse des textures de cette pièce mettent en évidence l’habileté de l’artiste à fusionner les influences historiques avec une vision artistique personnelle, caractérisant ainsi l’essence de l’art céramique japonais contemporain qu’il fait évoluer au fils des ans.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes œuvres de Nakamura Takuo sont présentes dans de nombreuses collections privées et une longue liste de Musées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHauteur 12,5 cm, 27,3 cm x 20,2 cm\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTomobako( boite en bois) signé\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52046757364058,"sku":null,"price":3600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Nakamura_Baizan.jpg?v=1767263837"},{"product_id":"grande-paire-de-boucles-d-oreilles-miao-chine-fin-du-19eme-a-debut-du-20eme-siecle","title":"Grande Paire de Boucles d’oreilles Miao, Chine, fin du 19ème à début du 20ème siècle","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette exceptionnelle paire de boucles d’oreilles en argent massif, d’un poids total de 490 g et mesurant 18 cm de hauteur, provient du peuple Miao du sud de la Chine. Chaque pièce est composée d’un anneau circulaire épais, terminé aux extrémités par des spirales serrées. À ce cercle sont accrochés huit anneaux concentriques : cinq sont finement gravés de dragons et de motifs yin-yang, trois sont torsadés et disposés à l’extérieur, renforçant l’aspect sculptural de l’ensemble.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eChez les Miao du Guizhou, et dans les communautés Hmong établies jusqu’en Thaïlande du Nord et en Birmanie orientale, l’orfèvrerie d’argent est au cœur des traditions féminines. Plus qu’un ornement, elle constitue un signe de richesse et d’identité. Les familles commencent à constituer un trousseau en argent dès la naissance d’une fille, afin qu’elle entre dans son mariage avec un patrimoine personnel qui restera sa propriété.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLors des cérémonies importantes telles que mariages, funérailles, fêtes du printemps, les femmes revêtent des parures spectaculaires qui témoignent de leur statut et de l’ancienneté de leur lignée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes boucles présentées ici se distinguent par leur taille exceptionnelle, la qualité de l’argent, la vigueur des gravures et l’équilibre de la composition. Leur état de conservation est remarquable, les traces d’usage renforçant l’authenticité.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePar leur taille imposante, leur poids et la richesse iconographique des dragons, elles comptent parmi les plus beaux exemples de leur catégorie et illustrent parfaitement la virtuosité des orfèvres Miao.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRéférences\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e– Beringen, J., et al., The Art of Silver Jewellery: From the Minorities of China, the Golden Triangle, Mongolia and Tibet – The René van der Star Collection, Skira, 2006.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e– Hoek, C., et al., Ethnic Jewellery: From Africa, Asia and Pacific Islands, Pepin Press, 2004.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eChine, Guizhou, fin du 19ème siècle à début du 20ème.\u003cbr\u003e18 x 12 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e490grammes\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52073030713690,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/FAB6BF04-5C51-466C-A1AD-CEB8D0F887F7.jpg?v=1756737026"},{"product_id":"ensemble-de-verseuses-rituelles-bouddhistes-en-cuivre-dore-japon-epoque-edo-1603-1868","title":"Ensemble de verseuses rituelles bouddhistes en cuivre doré\nJapon, époque Edo (1603–1868)","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEnsemble rare composé d’une Naga-e Chōshi (長柄銚子), verseuse à long manche, et d’une Chōshi (銚子), verseuse à anse arquée. Réalisées en cuivre finement martelé, autrefois entièrement dorées, elles portent toutes deux un mon (blason héraldique), signe d’une commande pour un temple par une famille de haut rang.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa Naga-e Chōshi, dotée d’un long manche gravé et d’un bec latéral, était destinée à contenir et à répandre l’eau lustrale. Purifiée et consacrée, cette eau servait à effacer les souillures (kegare), à bénir les fidèles ou à délimiter l’espace rituel. Le geste du prêtre, versant l’eau dans les quatre directions ou sur l’autel, liait symboliquement le monde humain à la dimension cosmique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa seconde, la Chōshi, de forme arrondie avec anse arquée et bec court, servait aux libations : saké, eau ou décoctions végétales offertes aux divinités et aux ancêtres. Le geste d’offrir la boisson, central dans le rituel bouddhiste, scellait un lien de respect et de continuité entre le visible et l’invisible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa dorure originelle, aujourd’hui partiellement effacée, soulignait la sacralité de ces instruments, l’or étant associé à la lumière, à la pureté et à la présence divine. Des objets comparables sont conservés au Tokyo National Museum, notamment dans la collection Sen’en, qui illustre la variété et le raffinement des verseuses métalliques de l’époque Edo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’association d’une Naga-e Chōshi et d’une Chōshi dans un même ensemble exprime la complémentarité essentielle des rites bouddhiques : purifier et offrir. Ces deux pièces qui ont une très belle patine, forment un témoignage rare de la liturgie japonaise et du savoir-faire des ateliers métallurgiques de l’époque Edo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e14 x 28 x 50 cm \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e22 x 16 x 22 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52092972597594,"sku":null,"price":3800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/2E0F575D-B2B9-41F0-A22C-06244D978818.jpg?v=1756913909"},{"product_id":"sans-titre-5sept-_16-52","title":"Paravent japonais, Char fleuri, fin de l’époque Edo (XIXᵉ siècle)","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eParavent japonais à six feuilles, fin de l’époque Edo (XIXᵉ siècle)\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe paravent japonais du XIXᵉ siècle à six feuilles, illustre le thème du char fleuri (hanaguruma), un sujet majeur de la peinture décorative de l’époque Edo. Héritée de l’esthétique aristocratique de la période Heian, cette iconographie a toujours été très appréciée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition montre un grand char en laque noire, rehaussé d’or, chargé de fleurs éclatantes, placé derrière une barrière de bambou stylisée et devant un pin. Le fond en feuilles d’or réfléchit la lumière, donnant une dimension monumentale à l’ensemble. Un nuage d’or cache partiellement la scène dans sa partie supérieure.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa peinture associe pigments minéraux et applications de gofun (poudre de coquille d’huître), qui accentuent le relief de certaines fleurs, des paniers qui contiennent les bouquets et de la barrière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eLes fleurs représentées portent une forte valeur symbolique dans l’art japonais : la pivoine, reine des fleurs, évoque richesse et prospérité ; le pin, symbole de longévité ; le prunus, associé au printemps et au renouveau ; le chrysanthème, fleur impériale et automnale ; et l’hortensia, signe de gratitude et d’élégance. Leur combinaison célèbre le cycle des saisons et les vertus traditionnelles.\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe paravent japonais de l’époque Edo témoigne de la continuité des grands thèmes classiques au seuil de l’ère Meiji, tout en conservant aujourd’hui une puissance décorative qui trouve naturellement sa place dans un intérieur contemporain.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eencadrement en soie et laque avec renforts en laiton.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e170 x 376 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52113262772570,"sku":null,"price":18000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/0A445BBB-9B65-4978-83E1-E7AE40518C15.png?v=1757085543"},{"product_id":"vase-saichi-matsumoto-ne-en-1930-kutani","title":"Vase \nSaichi Matsumoto, né en 1930\nKutani","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMatsumoto Saichi, né en 1930 à Kanazawa, est un céramiste s’est spécialisé dans la porcelaine Kutani.\u003cspan class=\"Apple-converted-space\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl provient d’une lignée prestigieuse de potiers, son arrière-grand-père Shoundo Matsumoto Sahei ayant fondé un four durant l’ère Tenpō, et son grand-père Matsumoto Sataro étant un expert reconnu de la céramique Kutani.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSaichi a obtenu son diplôme de l’Institut d’Art de Kanazawa et a poursuivi ses études à l’Institut National de Recherche sur la Céramique à Kyoto.\u003cspan class=\"Apple-converted-space\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn 1952, son travail a été sélectionné pour la première fois au Salon Nitten, où il a continué à exposer et à recevoir de nombreuses distinctions au fil des années, dont le Grand Prix en 1985 et 1988.\u003cspan class=\"Apple-converted-space\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl a également exposé ses œuvres et remporté des prix à l’Exposition de céramique Asahi, l’Exposition Kofukai, et l’Exposition Internationale de Chunichi.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSes œuvres incluent des objets divers et des ornements, souvent décorés avec des techniques comme l’application de feuille d’or (Yuri-kinsai) et de glaçure argentée (Ginsai). Certaines de ses créations sont présentes dans des collections prestigieuses, notamment au British Museum et au Musée préfectoral d’art d’Ishikawa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn plus de son travail de céramiste, Matsumoto Saichi a également contribué à des projets artistiques importants tels que la création de murs en céramique pour le Centre d'architecture préfectoral d'Ishikawa et d'autres lieux publics. Il a également tenu des expositions personnelles dans des lieux prestigieux comme l'Isetan à Shinjuku, démontrant l'étendue de son influence dans le domaine de l'art céramique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl est membre de la Société d'Art et d'Artisanat Contemporain, et du comité de la Société de Formes de la Mer du Japon. Ses œuvres se distinguent par leur utilisation innovante de la porcelaine, avec des figures teintes et des applications de métaux précieux, ce qui les rend uniques et recherchées par les collectionneurs du monde entier.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e24 x 21cm environ\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBoite\/tomobako\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52129294877018,"sku":null,"price":1100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/1754AC39-1C9D-422C-97E6-6B7EFB1BCA51.jpg?v=1757313717"},{"product_id":"plat-nagae","title":"Coupe sculpturale en porcelaine de Shigekazu Nagae ver 1990","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette coupe en porcelaine, d’une élégance rare, incarne parfaitement le style sculptural et poétique de Shigekazu Nagae. La pièce se distingue par sa forme ondulée, presque flottante, comme un voile figé dans le mouvement. D’apparence souple, la porcelaine semble s’être délicatement déposée sur trois « pierres » qui en soutiennent le poids : il s’agit en réalité d’éléments en céramique, façonnés pour imiter des blocs de pierre, et recouverts d’une dorure mate, subtilement texturée. Ce contraste entre l’aspect brut des « pierres » et la finesse de la porcelaine crée une tension visuelle et tactile remarquable.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette œuvre illustre le travail de déconstruction et de suspension propre à Nagae, qui détourne les procédés industriels du coulage pour créer des formes uniques, à la fois organiques et abstraites. Chaque élément est réfléchi comme une ligne de tension, une surface continue, un pli de lumière.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’artiste utilise la technique du moulage à la barbotine, généralement réservée à la production de porcelaine en série, pour explorer au contraire la singularité du geste. Les pièces sont coulées, séchées, puis suspendues dans le four par des fils de fer rigides. C’est dans cette suspension et sous l’effet de la cuisson que naissent ces formes fragiles et libres. Les éléments sont ensuite assemblés par une glaçure vitrifiée qui lie l’ensemble avec discrétion et précision.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eShigekazu Nagae, né en 1953 à Seto dans une famille de céramistes, est considéré comme l’un des maîtres contemporains de la porcelaine japonaise. Diplômé de l’école industrielle de céramique de Seto en 1974, il commence à exposer dès la fin des années 1970. Il s’impose comme un pionnier de la porcelaine sculpturale au Japon, et son œuvre est saluée pour son raffinement technique et sa recherche constante sur la légèreté et le mouvement.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSes séries les plus récentes, intitulées Moving Forms, repoussent encore davantage les limites physiques de la porcelaine, en évoquant les courbes de la nature japonaise – rivières, collines, bourrasques – tout en gardant une abstraction pure. Son travail a été couronné par de nombreux prix, dont le Grand Prix à la Triennale de la Porcelaine de Nyon en 1998, ainsi qu’au Festival de la Céramique de Mino et à l’Exposition d’Art Céramique du Japon en 1997.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes œuvres de Nagae sont aujourd’hui présentes dans de très nombreuses collections publiques à travers le monde, parmi lesquelles le Victoria \u0026amp; Albert Museum de Londres, le Musée National de Céramique à Sèvres, le Museum of Fine Arts de Boston, le Metropolitan Museum of Art de New York, le Cernuschi Museum à Paris, le Powerhouse Museum de Sydney, ou encore le Museum of Modern Ceramic Art de Gifu.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDimensions : 30,5 x 5,5 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52166411813210,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/84DBA7A0-335D-4980-A7D2-237ABB6BFD7D.jpg?v=1757667965"},{"product_id":"vase-archaisant-kawai-toru-ne-en-1941","title":"Vase archaïsant, Kawai Tōru, né en 1941","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe vase de Kawai Tōru (河井透) reprend avec audace les silhouettes puissantes de la céramique archaïque japonaise, rappelant les jarres de l’époque Jōmon par sa panse globulaire et son col largement ouvert. Le décor en léger relief, rythmé de motifs losangés, capte une glaçure bleu profond où affleurent des nuances brunes et argentées. Les coulures et les contrastes de brillance créent une profondeur presque métallique qui magnifie les jeux d’ombre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNé en 1941 à Kyoto, Kawai Tōru est le fils aîné du potier Kawai Kyōbu et le petit-neveu du grand maître Kawai Kanjiro, figure majeure du mouvement Mingei. Initié très tôt à la céramique dans l’atelier familial, il apprend auprès de son père et de son grand-oncle dont il prolonge l’esthétique humaniste tout en affirmant une recherche personnelle. Dès les années 1970, il participe à l’exposition père-fils au musée de Fukuyama puis organise des expositions régulières à Tokyo, Osaka, Kyoto et Takamatsu, ainsi qu’aux États-Unis. Son œuvre est aujourd’hui représentée dans plusieurs collections publiques, notamment au Kyoto National Museum of Modern Art et au Musée d’Art Céramique de Shiga, qui conservent des pièces emblématiques de ses recherches sur les glaçures et les formes archaïsantes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe vase, accompagné de son tomobako signé et inscrit, illustre la maîtrise de Kawai Tōru dans l’art d’unir tradition et modernité.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDimensions : hauteur 31,5 cm, largeur 21,5 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52182406496602,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/72E13C9D-89F4-4827-9B3C-503707B16710.jpg?v=1757841724"},{"product_id":"paire-de-bougeoirs-shokudai-en-cuivre-grave-19eme-siecle","title":"Paire de bougeoirs shokudai en cuivre gravé, 19ème siècle","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePaire de bougeoirs japonais shokudai en cuivre gravé et doré, XIXᵉ siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCes bougeoirs de taille intermédiaire présentent une patine chaude qui met en valeur un décor de fleurs de chrysanthème, emblème impérial du Japon et symbole de longévité. Les motifs sont finement gravés puis rehaussés d’une dorure appliquée sur les reliefs, créant un contraste subtil entre le cuivre brun et les reflets d’or. Chaque pièce est démontable grâce à de petits rivets d’origine, détail qui illustre une fabrication soignée et fonctionnelle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’ensemble conserve sa boîte en bois d’origine ainsi que ses accessoires traditionnels : une pince pour les mèches et deux petites boîtes assorties, dont une à couvercle articulé, toutes décorées du même motif impérial.\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHauteur : 46 cm – Diamètre : 21 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e46 x 21 cm\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52262615318874,"sku":null,"price":1600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/5784DD22-894C-4592-B3B8-F088DF16DBA2.jpg?v=1758736133"},{"product_id":"sans-titre-28oct-_13-54","title":"Kyōdai en laque noire orné du kamon Maru ni Daki Myōga sur fond de clématites – Japon, époque Edo, deuxième moitié du XVIIIᵉ siècle","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eKyōdai en laque noire orné du kamon Maru ni Daki Myōga sur fond de clématites – Japon, époque Edo, deuxième moitié du XVIIIᵉ siècle\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe kyōdai (鏡台), meuble de toilette est un remarquable exemple de mobilier d’apparat de l’époque d’Edo. L’ensemble comprend un meuble cubique à tiroirs, un miroir en métal poli simplement posé sur le support, une boîte à fard compartimentée, un petit récipient, et deux pinceaux d’origine, exceptionnellement conservés depuis le XVIIIᵉ siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe miroir à décor de bambous et dont la surface argentée servait à réfléchir la lumière autant que l’image du visage, évoque les usages raffinés des demeures aristocratiques japonaises. Dans le Dit du Genji (源氏物語), le miroir symbolise la permanence du souvenir et l’attachement au-delà de la séparation. Au chapitre « Exil à Suma », Genji confie à Murasaki :\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eみはかくて\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eさすらへぬとも\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e君があたり\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eさらぬ鏡の\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eかげははなれじ\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMi wa kakute\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSasuraenu to mo\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eKimi ga atari\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSaranu kagami no\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eKage wa hanareji\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e« Ainsi mon corps s’en va errant, mais dans ton miroir,\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003emon image, elle, ne te quittera pas. »\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe meuble est décoré en laque urushi noire à décor maki-e d’or et d’argent, avec ferrures et boutons de tirage en laiton. Les kamon Maru ni Daki Myōga (丸に抱き茗荷) — emblèmes de la famille Inagaki, daimyō de la province de Mikawa et vassaux du shogunat Tokugawa — sont dispersés sur toutes les faces du meuble, parmi un réseau de clématites (tessen, 鉄線) grimpantes. Les grandes fleurs étoilées et les tiges fines de ce motif tessen-karakusa traduisent la virtuosité des ateliers de laque de la seconde moitié du XVIIIᵉ siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCommandé pour un trousseau nuptial (yomeiri dōgu), ce kyōdai illustre la pratique consistant à marquer chaque objet du mobilier de mariage du blason familial, signe de rang et d’identité lignagère. L’association du kamon Inagaki et du décor végétal témoigne du goût des daimyō pour les motifs combinant prestige et raffinement ornemental.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’état général est bon, avec des traces d’usage et d’oxydation conformes à son ancienneté.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDimensions du meuble : hauteur totale 67 cm ; largeur 27,8 cm ; profondeur 27,5 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"My Store","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52562443403610,"sku":null,"price":3600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Photoroom_000_20251028_125108.jpg?v=1761657544"},{"product_id":"paire-de-bouquets-de-fleurs-de-lotus-en-bois-sculpte-et-dore-japon-epoque-meiji","title":"Paire de bouquets de fleurs de lotus en bois sculpté et doré, Japon, époque Meiji","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePaire de bouquets de fleurs de lotus en bois sculpté et doré, Japon, époque Meiji\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eSpectaculaire paire de compositions florales japonaises d’époque Meiji, réunissant vingt-deux fleurs, boutons et feuilles de lotus en bois sculpté et doré. Chaque bouquet est présenté dans un vase en bronze et reste amovible, permettant une présentation modulable et cohérente avec l’usage ancien de ce type d’ornements, souvent associés aux décors rituels et aux espaces de temples.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLes vases en bronze sont ornés de prises rapportées en forme de shishi, souvent appelés « chiens de Fô », apportant une note protectrice et décorative. L’ensemble est en bon état. La plus grande fleur atteint 96 cm de hauteur, tige comprise. Le petit socle cubique visible sur la photo n’est pas inclus.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLe lotus est ici porteur d’un sens directement lié au bouddhisme : il naît dans l’eau trouble et s’élève vers la lumière sans se souiller, image du chemin spirituel. L’ouverture progressive des feuilles et l’épanouissement de la fleur symbolisent l’éveil. Cette idée est rendue par le rythme des tiges, l’alternance des boutons et des fleurs ouvertes, et le relief très lisible des nervures des feuilles, conçu pour être perçu à distance.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53241915769178,"sku":null,"price":13800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Fleurs_de_lotus_en_bois_dor_Japon_Meiji.jpg?v=1767535583"},{"product_id":"vase-en-ceramique-toshio-sakamoto-坂本利夫-ne-en-1952","title":"Vase en céramique, Toshio Sakamoto (坂本利夫, né en 1952)","description":"\u003ch2\u003eVase en céramique, Toshio Sakamoto (坂本利夫, né en 1952)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCe vase en forme de globe resserré à l’ouverture présente un contraste direct entre un fond sombre, noir, plutôt mat, et de larges rubans ondulants à l’éclat argenté. Le décor, abstrait et continu, se déploie autour de la panse comme une ligne rythmée, avec une présence très graphique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe dessous est signé en creux avec le sceau de l’artiste. Le vase est conservé dans son tomobako d’origine, également signé.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eBiographie\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eToshio Sakamoto est un céramiste lié au foyer de Mashiko. Les notices japonaises le donnent né en 1952 à Hachiōji (Tokyo), formé à Mashiko à partir de 1980, puis installé à son compte avec la création de son atelier en 1990. Son parcours est associé à des sélections dans des expositions japonaises, dont le Japan Ceramic Art Exhibition, le Japan Traditional Kōgei Exhibition (1995) et le Traditional Craft New Works Exhibition (1997). Il est mentionné comme membre titulaire de la Japan Kōgei Association. Il maîtrise la technique du zōgan (incrustation), souvent présente dans son œuvre.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDimensions\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eHauteur env. 24 cm ; diamètre env. 20,8 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53294561919322,"sku":null,"price":1200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Vase_en_c_ramique_Toshio_Sakamoto_n_en_1952.jpg?v=1768149151"},{"product_id":"vase-michio-koinuma","title":"Vase en grès à structure cylindrique, Koinuma Michio (肥沼美智雄) 1936 2020","description":"\u003ch2\u003eVase en grès à structure cylindrique, Koinuma Michio (肥沼美智雄), Japon\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eVase construit comme un cylindre à registres superposés, avec une lecture très nette des « étages » successifs. Le profil, volontairement compact, évoque une pièce mécanique crantée : une forme presque industrielle, fondée sur la rigueur du volume plus que sur l’ornement. La lèvre épaisse et légèrement entaillée renforce l’impression de forme sculptée et affirmée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eToute la surface présente un reflet argenté continu, d’aspect métallique, qui accroche la lumière sur l’ensemble du corps. Les variations de gris, du sombre au clair, se font uniquement par la matière et la cuisson, sans décor ajouté. La pièce est signée au-dessous et ne possède pas de tomobako.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eBiographie\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eKoinuma Michio (肥沼美智雄, 1936–2020) est une figure majeure de la céramique moderne de Mashiko (préfecture de Tochigi). Né à Tokyo, il suit d’abord des études d’économie et de sciences politiques, puis s’oriente tardivement vers la céramique et s’installe à Mashiko à l’âge de trente-trois ans. Il construit son propre four, Ichimoku-gama, en 1969 et commence alors une activité indépendante. Il est remarqué dès les années 1970, notamment par le prix d’excellence du North Kanto-area Art Exhibition (1974), et reçoit en 1991 le Marronnier Culture Award attribué par la préfecture de Tochigi.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon travail est reconnu pour des formes puissantes, souvent bâties selon la méthode du \u003cem\u003etatara\u003c\/em\u003e (plaques d’argile), qui lui permet d’obtenir des volumes fortement structurés et des arêtes franches. Il travaille notamment des argiles de Shigaraki ou une argile de type \u003cem\u003egairome\u003c\/em\u003e, et explore des surfaces où la matière et la cuisson suffisent à produire l’effet visuel. Une émission de la NHK lui est consacrée en 1997 (Yakimono tanpō \/ “Ceramic Hunt”). Il décède en août 2020.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDes œuvres de Koinuma Michio sont conservées dans des collections publiques au Japon et à l’étranger, notamment au Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, au Tokyo Opera City Cultural Foundation, ainsi qu’au Museum of Fine Arts, Boston. Le Mashiko Museum of Ceramic Art lui a consacré l’exposition « Koinuma Michio and his contemporaries » (16 avril – 19 juin 2022), présentant plusieurs œuvres de référence de l’artiste.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53351260848474,"sku":null,"price":1600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Vase_en_gr_s_structure_cylindrique_Koinuma_Michio_1936_2020.jpg?v=1768652110"},{"product_id":"porte-katana-japonais-en-laque-tashi-kake-epoque-meiji-19e-siecle","title":"Tachi Kake Ancien en Laque Urushi Nashiji — Décor Maki-e Kabuto \u0026 Shishi — Japon Période Edo \/ Meiji | H. 65,5 cm","description":"\u003cp data-source-line=\"11-11\"\u003eSupport vertical à sabre (\u003cem\u003etachi kake\u003c\/em\u003e, 太刀掛け), en bois laqué urushi, à décor maki-e sur fond nashiji.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-source-line=\"13-13\"\u003eLa base rectangulaire aux angles lobés repose sur un fond\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003enashiji\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e— laque d'or pailletée aux reflets scintillants — orné d'un\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003ekabuto\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(兜, casque de samouraï) rendu en laque polychrome vermillon et or, accompagné d'un\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eshishi\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(獅子, lion gardien mythique) et de\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003efleurs de sakura\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003edispersées en hira-maki-e doré. Un panneau dorsal en forme de nuages lobés relie la base au montant. Le sommet en T à double échancrure est destiné à recevoir le fourreau du sabre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-source-line=\"15-19\"\u003e\u003cstrong\u003eMatériaux :\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eBois, laque urushi, poudre d'or, pigments polychromes\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eTechniques :\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eNashiji, hira-maki-e, taka-maki-e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eLargeur env. 29,5 cm — Hauteur totale env. 65,5 cm\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eOrigine :\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eJapon\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque :\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eFin période Edo \/ Meiji (circa 1850–1880)\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53821400777050,"sku":null,"price":1650.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/IMG_7439-Photoroom.jpg?v=1773676421"},{"product_id":"grande-bo-te-jubako-cinq-compartiments-et-plateau-japon-vers-1880-laque","title":"Grande boîte jubako à cinq compartiments et plateau, Japon, vers 1880","description":"\u003ch2\u003eGrande boîte jubako à cinq compartiments et plateau, Japon, vers 1880\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCe jubako, se compose de cinq modules superposés, accompagnés de deux couvercles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'ensemble repose sur un plateau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette structure permet de scinder la boîte en deux piles distinctes : une de trois compartiments, une autre de deux, chacune pouvant être refermée par son propre couvercle. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette modularité s’explique par l’usage cérémoniel des jubako, boîtes à aliments réservées aux grandes fêtes comme le Nouvel An ou le Tango no Sekku, le festival des garçons.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSelon le nombre d’invités ou la nature des mets, on utilisait tout ou partie des compartiments.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eDécor de volutes d’une très belle qualité, dessinées à l'or et recouvrant toute la surface.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe plateau mesure 10 x 31,7 x 31,7\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pile de deux compartiments plus couvercle mesure 20 x 25,8 x 25,8\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pile de trois compartiments plus couvercle mesure 29 x 25,8 x 25,8\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eles deux compartiments et couvercle posés sur le plateau ont une hauteur de 29cm environ.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTous les éléments sont modulables.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53885525655898,"sku":null,"price":4200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/5A47BD67-FB39-44E4-BF6A-5550DEF23DD3.jpg?v=1774531918"},{"product_id":"boite-laque-de-wajima-nishizuka-choko-1888-1976","title":"Boite, laque de Wajima, Nishizuka Chōkō (1888–1976)","description":"\u003cdiv class=\"product-description\"\u003e\n\u003ch1\u003eBoite, laque de Wajima, Nishizuka Chōkō I (1888–1976)\u003c\/h1\u003e\n\u003cp\u003eBoite en laque de Wajima décoré de deux cailles parmi les  millets, par Nishizuka Chōkō I (西塚朝光, 1888–1976). \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette boîte, probablement destinée. à ranger des objets pour la cérémonie du thé, associe un travail de maki-e en relief, des incrustations de nacre et, fait beaucoup plus rare, deux cailles traitées en céramique émaillée appliquée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eElle constitue un exemple particulièrement intéressant du renouveau de la laque japonaise au XXe siècle, entre tradition décorative, virtuosité technique et recherche plastique.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDescription\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLe couvercle présente une composition raffinée de deux cailles évoluant parmi les herbes, probablement du susuki ou du millet, thème classique de l’automne dans les arts décoratifs japonais.  ce décor déborde sur la base de la boite créant un décor en continu preuve d'une grande maitrise picturale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe fond est traité en \u003cem\u003enashiji\u003c\/em\u003e à différentes intensités créant une surface vibrante, presque atmosphérique, qui anime toute la scène. Les herbes se déploient dans un jeu de matières (laque peinte au laque d’or et laque noire et gris foncé avec effet de mosaïque) et de rythmes tandis que les oiseaux, modelés en céramique émaillée avec ajout de nacre pour doner la brillance des yeux, apportent à la composition une présence sculpturale peu commune dans la laque de Wajima.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’intérieur est couvert de larges carrés irréguliers de feuille d’or, produisant un effet fragmenté et précieux, très caractéristique d’un objet conçu comme une pièce de grand décor autant que comme un objet d’usage.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’ensemble est conservé dans son tomobako signé \u003cem\u003eChōkō saku\u003c\/em\u003e (朝光作).\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eNishizuka Chōkō I (1888–1976)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNishizuka Chōkō I, ou \u003cem\u003eNishizuka Chōkō\u003c\/em\u003e (西塚朝光), est un laqueur actif à Wajima au début et au milieu du XXe siècle. Il appartient à cette génération d’artisans qui prolongent les traditions techniques les plus exigeantes du \u003cem\u003eWajima-nuri\u003c\/em\u003e tout en adaptant leur langage décoratif à une sensibilité moderne. Des œuvres signées 朝光 sont connues sur le marché japonais et occidental, notamment des \u003cem\u003esuzuribako\u003c\/em\u003e, des objets liés à la cérémonie du thé et des pièces décoratives à sujet naturaliste.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon travail s’inscrit dans le contexte d’un artisanat de très haut niveau, où la maîtrise du \u003cem\u003emaki-e\u003c\/em\u003e, des incrustations et des effets de surface reste fondamentale. Chez Nishizuka Chōkō, cette tradition s’ouvre à une recherche plus plastique, visible dans le relief, la densité des fonds et le goût pour des matières contrastées.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa tradition de la laque de Wajima\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa laque de Wajima, produite dans la péninsule de Noto, est l’une des plus réputées du Japon. Le \u003cem\u003eWajima-nuri\u003c\/em\u003e se distingue par la complexité de son processus de fabrication, par l’usage de la poudre de terre locale dans les couches préparatoires, et par l’intervention successive de plusieurs spécialistes. Cette exigence technique donne des objets d’une grande solidité et d’une remarquable profondeur de surface.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ partir de la fin du XIXe siècle et surtout durant le XXe siècle, les ateliers de Wajima participent à un mouvement de renouvellement des arts décoratifs japonais. Sans abandonner les sujets traditionnels, ils explorent de nouveaux effets de matière, de relief et d’incrustation, produisant des objets où l’invention formelle devient un élément essentiel.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEntre héritage Rimpa et modernité du XXe siècle\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCette boîte s’inscrit par plusieurs aspects dans l’héritage esthétique de l’école Rinpa. Le goût pour les motifs saisonniers, la valeur donnée aux contrastes entre aplats sombres et surfaces lumineuses, ainsi que le traitement décoratif du végétal renvoient à cette tradition majeure des arts japonais. La composition privilégie l’impact visuel, la stylisation du rythme et la préciosité des matériaux, autant d’éléments qui relèvent d’un esprit profondément décoratif.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMais cette œuvre ne se réduit pas à une survivance du goût Rimpa. Elle manifeste aussi le renouveau de la laque japonaise au XXe siècle. Le relief marqué, la présence de nacre découpée et surtout l’intégration exceptionnelle de cailles en céramique émaillée montrent une volonté d’expérimentation tout en se réappropriant des techniques anciennes. Cette hybridation rare entre tradition et invention place la boîte dans un moment où l’artisanat japonais cherche à renouveler son vocabulaire sans rompre avec son héritage.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003ePourquoi cette boîte est importante\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre unique se distingue par la qualité de son exécution, par l’originalité de sa combinaison technique et par la force tactile de son décor. Elle est intéressante à la fois pour l’histoire de la laque japonaise, pour l’étude du Wajima-nuri au XXe siècle, et pour les collectionneurs sensibles aux objets où la tradition décorative japonaise se prolonge dans une forme de modernité silencieuse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e largeur 28 cm ; profondeur 23 cm ; hauteur 15,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53891523674458,"sku":null,"price":5600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/IMG-7793.jpg?v=1774616095"},{"product_id":"vase-2","title":"Vase Bouteille Yamatoya Tadafumi vers 2000-2005","description":"\u003ch2\u003eVase à décor argenté par Yamatoya Tadafumi, vers 2000-2005\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eVase en céramique signé Yamatoya Tadafumi (大和屋忠文). La forme est haute, à base ovalisée, avec des épaules arrondies et un col cylindrique étroit. La silhouette est compacte, centrée sur une verticalité nette.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa surface est réalisée dans la tradition de la glaçure \u003cem\u003eirabo\u003c\/em\u003e (伊羅保釉), mate et granuleuse, aux tonalités vert olive mêlées de bruns ferrugineux. La texture présente des irrégularités naturelles liées à la cuisson et à la composition de la terre. Le décor est composé de bandes verticales et d’un motif à l’épaule exécutés en argent métallique (\u003cem\u003eginsai\u003c\/em\u003e 銀彩), produisant des reflets changeants selon la lumière. L’opposition entre surface minérale et intervention argentée organise la lecture de la pièce.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eYamatoya Tadafumi (大和屋忠文) est un céramiste actif au Japon au tournant des années 2000. Son travail est documenté dans le circuit des galeries japonaises spécialisées en céramique contemporaine, notamment à Tokyo chez 桃居 (Momoi), où des expositions personnelles sont mentionnées au début des années 2000. Les textes associés à ces présentations décrivent un travail fondé sur la glaçure \u003cem\u003eirabo\u003c\/em\u003e et des cuissons répétées avec refroidissement en réduction.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe vase a son \u003cem\u003etomobako\u003c\/em\u003e signé avec cachet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur environ 31 cm ; diamètre du col environ 4,4 cm ;  base environ 13,5 x 10,8 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53896830255450,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/IMG-7832.jpg?v=1774694703"},{"product_id":"grand-plat-profond-en-ceramique-de-nonaka-taku-date-de-2011-a-decor-de-pins-sur-glacure-temmoku-oeuvre-signee-sous-la-base-avec-tomobako-signe","title":"Grand plat tenmoku par Nonaka Taku vers 2011","description":"\u003ch2\u003eGrand plat profond en céramique de Nonaka Taku, décor de pins, glaçure temmoku, 2011\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eGrand plat profond en céramique par Nonaka Taku vers 2011, à décor de pins sur une puissante glaçure temmoku. Signé sous la base, il est accompagné de son tomobako signé. Cette grande composition, à la fois sculpturale et fonctionnelle, illustre avec force le travail de l’artiste sur les contrastes entre noir profond, gris argenté et dessin rayonnant.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDescription\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCe grand plat profond se distingue d’abord par son échelle et par l’ampleur de sa forme, largement ouverte, dont le profil continu donne à la pièce une présence architecturale. La surface intérieure est animée par une glaçure temmoku aux effets nuancés, allant du noir dense à des passages gris métallisés, avec des variations de matité et de brillance qui donnent au décor une vraie profondeur visuelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe motif de pins, traité de manière stylisée, s’organise en larges formes rayonnantes qui se détachent avec vigueur sur le fond sombre. Le décor n’a rien d’anecdotique : il structure l’espace du plat et dialogue avec la matière même de la glaçure. L’ensemble produit une impression très construite, presque graphique, mais garde la richesse sensible propre aux grandes céramiques de cuisson, où la surface reste vivante, changeante selon la lumière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDatée de 2011, cette œuvre appartient à une période pleinement mûre de la carrière de Nonaka Taku. Elle s’inscrit dans son travail sur les grands formats en temmoku, où la monumentalité de la forme rencontre un vocabulaire décoratif sobre, puissant et immédiatement lisible. Le fait que le plat soit signé sous la base et conservé avec son tomobako signé renforce encore l’intérêt documentaire de l’ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eBiographie de Nonaka Taku\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNonaka Taku, 野中拓, est né en 1955 à Ureshino, dans la préfecture de Saga, région majeure de la céramique japonaise. En 1975, il entre en apprentissage auprès d’Ono Hakuko et d’Ono Shōji. À partir de la fin des années 1970, son parcours s’affirme rapidement dans le champ du kōgei contemporain japonais.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn 1978, il est admis à l’exposition de la branche ouest de l’Association japonaise des arts d’artisanat. En 1979, il est sélectionné pour la première fois à la Nihon Dentō Kōgei-ten, l’Exposition japonaise des arts traditionnels. Il reçoit ensuite plusieurs distinctions dans les expositions de Saga ainsi que dans les expositions de Kyūshū-Yamaguchi. En 1982, il devient membre régulier de la Nihon Kōgeikai.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn 1983, une œuvre de porcelaine blanche à long col est acquise par le musée préfectoral de Saga. En 1998, une œuvre intitulée \u003cem\u003eTenmoku fukabachi\u003c\/em\u003e est retenue à la 44e Exposition japonaise des arts traditionnels et achetée par l’Agence impériale. En 1999, il se rend en Grande-Bretagne à l’occasion d’une présentation au British Museum. Son parcours se poursuit ensuite par de nouvelles sélections aux grandes expositions japonaises. En 2011, une œuvre à décor de pin en temmoku est offerte au Chion-in, ce qui éclaire particulièrement bien la place de ce motif dans son travail.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre de Nonaka Taku se développe autour de deux grands registres. D’un côté, la porcelaine blanche, sobre et tendue. De l’autre, le temmoku, plus dense, plus sombre, plus dramatique dans ses effets de surface. Ce grand plat profond appartient clairement à ce second versant de sa production. Il montre sa maîtrise des grandes formes, son goût pour les contrastes puissants et sa capacité à faire du décor un élément structurel de l’œuvre.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDimensions\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e56,5 × 15,5 cm\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53955789947226,"sku":null,"price":7500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/Grand_plat_c_ramique_de_Nonaka_Taku.jpg?v=1775660090"},{"product_id":"suzuribako-a-decor-de-horagai-et-paysage-de-pavillons-epoque-edo-xviiie-debut-xixe-siecle","title":"Suzuribako à décor de horagai et paysage avec pavillons, époque Edo, XVIIIe-début XIXe siècle","description":"\u003ch2\u003eSuzuribako à décor de horagai et paysage avec pavillons\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJapon, époque Edo, XVIIIe-début XIXe siècle\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSuzuribako de forme rectangulaire à angles arrondis, en bois laqué, mesurant 24,1 cm de largeur, 22,2 cm de hauteur et 4,7 cm de profondeur. Le couvercle présente, sur un fond de \u003cem\u003enashiji\u003c\/em\u003e, un grand \u003cem\u003ehoragai\u003c\/em\u003e 法螺貝, c’est-à-dire une conque transformée en trompe, enveloppée dans un filet traité en laque rouge en relief. L’intérieur comprend la pierre à encre et le récipient à eau, ou \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e, ici en forme de branche de pin, tandis que le revers du couvercle est orné d’un paysage de pavillons au bord de l’eau. Le \u003cem\u003esuzuribako\u003c\/em\u003e est une boîte à écrire destinée à contenir les instruments nécessaires à la préparation de l’encre et à l’écriture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe fond \u003cem\u003enashiji\u003c\/em\u003e doit être souligné d’emblée. Cette technique, qui donne à la surface l’aspect d’une peau de poire par la dispersion serrée de fines paillettes d’or, crée ici un champ lumineux, chaud et très régulier, sur lequel le motif se détache avec une grande netteté. Le décor du couvercle combine visiblement \u003cem\u003ehiramaki-e\u003c\/em\u003e et \u003cem\u003etakamaki-e\u003c\/em\u003e. Le \u003cem\u003ehiramaki-e\u003c\/em\u003e correspond aux parties dessinées avec une faible épaisseur, intégrées à la surface, tandis que le \u003cem\u003etakamaki-e\u003c\/em\u003e désigne les reliefs plus accusés, obtenus par modelage avant saupoudrage d’or. Le dialogue entre ces deux procédés donne au motif sa profondeur sans rompre l’unité lisse et précieuse de la laque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe \u003cem\u003ehoragai\u003c\/em\u003e est un instrument bien identifié dans la culture japonaise, lié surtout aux \u003cem\u003eyamabushi\u003c\/em\u003e, ascètes de montagne du \u003cem\u003eshugendō\u003c\/em\u003e. Les sources japonaises rappellent qu’il servait à communiquer en montagne, à marquer une présence, à rythmer certaines pratiques rituelles, et qu’on lui attribuait aussi une fonction protectrice, capable d’écarter les forces mauvaises. Dans l’iconographie de cette boîte, sa présence introduit donc un monde de retraite, d’ermitage, de vie hors du monde et de spiritualité montagnarde. Le filet rouge qui le porte n’est pas un détail secondaire : il appartient à la réalité même de l’objet et sa représentation, d’une précision extrême, fait partie des plus grandes réussites de la boîte. Chaque brin du tressage est suivi, croisé et tendu avec une minutie exceptionnelle, qui donne au décor une vérité presque tactile.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’intérieur développe un autre registre, plus proprement lettré. Le revers du couvercle est orné d’un paysage de pavillons au bord de l’eau, avec pins, reliefs et oiseaux en vol. Le fond reprend cette atmosphère par des branchages en laque or. Nous sommes ici dans le vocabulaire du paysage idéal, retiré, contemplatif, construit autour de l’eau, de l’architecture légère et du pin, arbre de permanence et de tenue. Le \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e en forme de branche de pin prolonge directement ce décor et montre que les accessoires eux-mêmes participent du programme iconographique. Ainsi, le décor de la boîte est organisé en un véritable dialogue entre le monde de l’ascèse montagnarde évoqué par le \u003cem\u003ehoragai\u003c\/em\u003e et celui de l’écriture, du paysage mental et de la retraite cultivée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eC’est ce dialogue qui fait l’intelligence particulière de l’œuvre. À l’extérieur, le grand \u003cem\u003ehoragai\u003c\/em\u003e domine seul, presque monumental, avec son filet rouge en relief, dans une image forte, concentrée, presque emblématique. À l’intérieur, le regard entre dans un espace plus silencieux, plus ample, fait d’eau, de pavillons, de pins et d’oiseaux. Le passage du couvercle au dedans de la boîte correspond ainsi à un passage symbolique : du signal, de l’appel et du monde montagneux vers l’espace du lettré, de l’écriture et de la contemplation. Une telle cohérence iconographique, servie par une exécution aussi précise, place cette pièce parmi les \u003cem\u003esuzuribako\u003c\/em\u003e d’excellente qualité.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 24,1 × 22,2 × 4,7 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53998016758106,"sku":null,"price":6300.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/9E02A717-9C6C-44BA-BF5B-246569EE020D.jpg?v=1776178725"},{"product_id":"suzuki-kenji-鈴木健司-vase-en-ceramique-signe","title":"Suzuki Kenji 鈴木健司, vase en céramique signé","description":"\u003ch2\u003eSuzuki Kenji 鈴木健司, vase en céramique signé\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJapon, seconde moitié du XXe siècle\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eVase en céramique par Suzuki Kenji, de forme très construite, reposant sur un pied étroit en amande et développant un corps déformé en losange. La silhouette est l’un des aspects les plus intéressants de la pièce. La base resserrée porte un volume qui s’élargit puis se tend en une forme anguleuse, très éloignée des typologies plus classiques du vase ovoïde ou balustre. L’ouverture, relativement discrète, prolonge cette construction avec justesse. Le vase est signé et accompagné de son tomobako signé.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette pièce se distingue d’abord par son travail de forme. Le pied en amande concentre l’assise, tandis que le corps se développe comme un volume géométrisé, presque sculptural. La pièce repose ainsi sur un équilibre subtil entre stabilité et déformation contrôlée. Cette recherche formelle donne au vase une présence immédiate, sans qu’il soit besoin d’un décor abondant.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSuzuki Kenji, né le 25 février 1930 à Kyoto et mort en 2010, appartient à une longue lignée de céramistes. Il apprend très tôt les techniques de la céramique auprès de son père, Suzuki Kiyoshi, et de son frère Takuji. Sa formation familiale est complétée par des études à l’Université des Beaux-Arts de Kyoto, dont il sort diplômé en 1957. Pendant ses années d’études, il bénéficie de l’enseignement de maîtres majeurs tels que Kondō Yūzō, Tomimoto Kenkichi et Fujimoto Nōdō, avant de se perfectionner comme apprenti auprès du sixième Kiyomizu Rokubei.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDès 1958, un an après l’obtention de son diplôme, il est sélectionné au Nitten, où il sera ensuite régulièrement distingué. En 1960, il reçoit le prix du maire de Kyoto. En 1967, il obtient le prix Hokuto-shō au Nitten pour son œuvre \u003cem\u003eWhite Orb\u003c\/em\u003e, pièce importante dans son parcours, qui témoigne déjà de sa maîtrise des formes et des émaux. Entre 1965 et 1971, il est professeur adjoint auprès du septième Kiyomizu Rokubei à l’Université des Beaux-Arts de Kyoto. En 1976, il installe un nouveau four à Yamashina, où il poursuit notamment ses recherches sur les glaçures métalliques.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon activité ne se limite pas à la seule production d’atelier. Durant les années 1960, il participe à des expositions internationales en Amérique du Nord, en Australie, en Nouvelle-Zélande et en Europe, ce qui montre l’extension précoce de sa reconnaissance. Il est aussi un auteur important. En 1971, il publie pour le Musée national d’Art moderne de Tokyo un ouvrage intitulé \u003cem\u003eContemporary Ceramic Art: Canada, USA, Mexico and Japan\u003c\/em\u003e, qui souligne l’ampleur de sa culture visuelle et de son intérêt pour la céramique au-delà du Japon. En 1984, il publie également \u003cem\u003eSōsaku tōgei no tenkai \/ sekinin henshū\u003c\/em\u003e, parmi d’autres travaux.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eÀ partir de 1990, Suzuki Kenji devient une figure d’autorité dans le monde de la céramique japonaise, en tant que juge au Nitten et membre du jury de l’exposition Japan New Crafts. Cette reconnaissance culmine en 2005, lorsqu’il reçoit l’Ordre du Mérite Culturel de la préfecture de Kyoto. Ses œuvres sont conservées dans des collections importantes, notamment au Musée préfectoral de Kyoto et au Musée municipal de Kyoto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur 25 cm ; largeur 19 cm ; profondeur 12 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54075817099610,"sku":null,"price":2600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/025A39D6-F8D5-43DF-A477-F8BEAC202925.jpg?v=1779646213"},{"product_id":"eiraku-jizen-eiraku-koichi-vase-tsukikage-en-decor-or-et-argent","title":"Eiraku Jizen (Eiraku Kōichi), vase « Tsukikage » en décor or et argent","description":"\u003ch2\u003eEiraku Jizen (Eiraku Kōichi), vase « Tsukikage » en décor or et argent\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cp\u003eGrand vase de forme verticale aplatie, construit sur une base rectangulaire, par Eiraku Jizen, également connu sous son nom personnel Eiraku Kōichi. Cette silhouette inhabituelle, presque architecturée, donne à la pièce une présence frontale très forte. L’ouverture resserrée au sommet prolonge cette tension entre stabilité et élancement, tandis que la surface développe un vaste décor rythmé de bandes courbes en noir, blanc, brun rouge, or et argent.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLe décor, d’un grand raffinement, est fondé sur la superposition de lignes ondoyantes qui traversent la pièce comme des reflets mobiles. L’or domine sans lourdeur, animé par les contrastes du noir et du blanc, et produit un effet de lumière changeante plutôt qu’un simple décor appliqué. Le titre inscrit sur le tomobako, \u003cem\u003eTsukikage\u003c\/em\u003e – \u003cstrong\u003e月影\u003c\/strong\u003e, « ombre de lune », éclaire très justement cette recherche : la composition évoque moins une image descriptive qu’une perception lumineuse, presque atmosphérique.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLe tomobako signé porte l’inscription \u003cstrong\u003e金銀彩色花入 月影 紘一造\u003c\/strong\u003e, que l’on peut traduire par « vase à fleurs en décor polychrome or et argent, “Tsukikage”, réalisé par Kōichi ». La pièce est signée sous la base.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eNé en 1944 à Kyoto, Eiraku Jizen appartient à l’une des plus prestigieuses lignées de la céramique de Kyoto. Né sous le nom de Eiraku Kōichi, il devient Eiraku Zengorō XVII en 1998, avant de reprendre le nom de Jizen après avoir transmis le titre familial en 2020. Les biographies publiées par Joan B. Mirviss Ltd. et par la Kyoto Kogei Bijutsu Sakka Kyokai rappellent sa maîtrise des grandes traditions décoratives de Kyoto, notamment le \u003cem\u003ekinrande\u003c\/em\u003e, ainsi que son inscription dans l’héritage raffiné des ateliers Eiraku, liés de longue date à la culture du thé.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eCette œuvre traduit particulièrement bien cette double appartenance : enracinée dans l’histoire des céramiques décorées de Kyoto, elle affirme aussi une sensibilité plus personnelle, fondée sur la construction de la forme et sur un usage très libre des rythmes linéaires et des éclats métalliques. Par sa présence sculpturale et par son décor lumineux, ce vase conviendra aussi bien à un collectionneur de céramique japonaise qu’à un intérieur recherchant une pièce forte et raffinée.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur 47 cm ; largeur 32 cm ; profondeur 8,8 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54075831681370,"sku":null,"price":5500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/58B17970-B914-4E93-AE39-B3E17D1E606C.jpg?v=1780203246"},{"product_id":"nonaka-taku-grand-vase-feux-d-artifice","title":"Nonaka Taku, grand vase « Feux d’artifice »","description":"\u003ch2\u003eNonaka Taku, grand vase « Feux d’artifice »\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cp\u003eGrand vase en céramique par Nonaka Taku, de forme ovoïde ample, à l’ouverture discrètement resserrée. La pièce se distingue par l’ampleur de son volume et par l’éclat profond de sa surface sombre, animée d’un vaste décor rayonnant qui évoque immédiatement l’explosion lumineuse d’un feu d’artifice. Le motif, déployé en larges faisceaux depuis un point central, couvre la panse avec une grande efficacité visuelle tout en respectant la pureté de la forme.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLe contraste entre le fond noir brillant et les rayons gris argentés structure toute la lecture du vase. Les faisceaux rayonnants guident le regard, élargissent visuellement la panse et donnent à l’ensemble une présence à la fois graphique et monumentale. Selon l’angle de vue, les reflets de la glaçure modifient la perception du décor et renforcent l’effet de profondeur. Le titre « Feux d’artifice » convient particulièrement bien à cette œuvre, tant il éclaire la logique d’expansion lumineuse qui organise sa surface.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eNé en 1955 à Ureshino, dans la préfecture de Saga, Nonaka Taku entre en 1975 au \u003cem\u003eKozan-gama\u003c\/em\u003e, où il étudie auprès de Ono Hakuko et Ono Shōshi, et reçoit l’enseignement du tournage auprès de Inoue Manji. Il devient membre régulier de la \u003cem\u003eNihon Kōgeikai\u003c\/em\u003e en 1982 et ouvre son propre four, \u003cem\u003eHiraku-gama\u003c\/em\u003e, en 1996 à Iwayagawachi, avant de s’installer en 2020 à Takeo. D’abord attaché à la porcelaine blanche, il développe ensuite un travail important autour du \u003cem\u003etenmoku\u003c\/em\u003e, et poursuit depuis une œuvre construite autour de ces deux grands registres.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eSon parcours a été marqué par plusieurs reconnaissances officielles. En 1998, son œuvre \u003cem\u003eTenmoku Fukabachi\u003c\/em\u003e, présentée à la 44e Exposition d’artisanat traditionnel japonais, est acquise par l’Agence de la Maison impériale. En 2000, il se rend au Royaume-Uni pour une présentation au British Museum, où une œuvre intitulée \u003cem\u003eHakuji Yamon Kaki\u003c\/em\u003e est offerte. En 2011, un vase \u003cem\u003etenmoku\u003c\/em\u003e à décor de pins est offert lors de la cérémonie d’intronisation du supérieur de Chion-in. Ces jalons montrent la reconnaissance institutionnelle de son travail.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eCe vase en donne une lecture particulièrement convaincante. Il associe la maîtrise technique du grand format, la force d’un décor immédiatement lisible et la profondeur optique d’une surface très travaillée. L’œuvre s’adresse aussi bien à un collectionneur de céramique japonaise contemporaine qu’à un intérieur recherchant une pièce spectaculaire, soutenue par la rigueur d’un grand céramiste.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLe vase est signé sous la base. Son \u003cem\u003etomobako\u003c\/em\u003e signé est présent.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur 39 cm ; diamètre 36 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54075831714138,"sku":null,"price":5500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/EE388024-56A6-4861-A536-06F873D67B96.jpg?v=1779031697"},{"product_id":"vase-sculptural-en-ceramique-creme-et-argentee-par-hitomi-masatsugu-人見政次-japon-seconde-moitie-du-xxe-siecle","title":"Vase sculptural en céramique crème et argentée par Hitomi Masatsugu 人見政次, Japon, seconde moitié du XXe siècle","description":"\u003ch2\u003eVase sculptural en céramique crème et argentée par Hitomi Masatsugu 人見政次\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJapon, seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eVase sculptural en céramique de Hitomi Masatsugu 人見政次, construit comme une forme abstraite ajourée, à la limite du vase et de la sculpture. L’œuvre se compose de deux grands demi-cercles verticaux réunis par des éléments argentés, qui jouent à la fois le rôle d’articulation, de structure et de rythme visuel.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa pièce présente un traitement différent selon les faces. L’une des faces est entièrement traitée dans une tonalité blanc crème, avec une surface légèrement craquelée et patinée. Les deux pans intérieurs visibles dans les ouvertures sont argentés, de même que les parties de liaison. Sur l’autre face, un demi-cercle clair répond à un demi-cercle argenté, tandis que l’autre demi-cercle reste crème. Cette alternance plus complexe crée un rythme supplémentaire et modifie la lecture de l’objet selon l’angle de vue.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe vide central organise la composition, allège la masse et transforme le vase en signe. L’objet conserve le nom japonais de \u003cem\u003ekabin\u003c\/em\u003e 花瓶, vase, mais son usage éventuel est secondaire par rapport à sa force plastique. Il appartient au vocabulaire de la céramique sculpturale japonaise d’après-guerre, où la forme, la matière et l’espace deviennent les sujets principaux de l’œuvre.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eHitomi Masatsugu s’inscrit dans l’histoire de \u003cem\u003eSōdeisha\u003c\/em\u003e 走泥社, mouvement d’avant-garde fondé à Kyoto en 1948 autour de Yagi Kazuo, Suzuki Osamu, Yamada Hikaru, Matsui Yoshisuke et Kano Tetsuo. \u003cem\u003eSōdeisha\u003c\/em\u003e a joué un rôle majeur dans l’affirmation d’une céramique autonome, affranchie de la fonction utilitaire traditionnelle. Les artistes liés au groupe ont déplacé l’argile hors du seul domaine du vase, du bol ou de l’objet d’usage pour en faire un langage sculptural à part entière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon œuvre est documentée dans l’exposition rétrospective \u003cem\u003eSōdeisha: Rethinking Avant-Garde Ceramics\u003c\/em\u003e. Plusieurs pièces de Hitomi Masatsugu, datées de 1968, 1972 et 1973, y sont répertoriées, confirmant sa place parmi les artistes de la seconde génération de \u003cem\u003eSōdeisha\u003c\/em\u003e et son inscription dans l’histoire de la céramique japonaise d’avant-garde.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette œuvre doit être regardée dans ce contexte. Elle ne cherche pas à séduire par un décor appliqué, mais par une construction formelle précise : deux masses opposées, un vide actif, une alternance de surfaces crème et argentées, une tension entre frontalité et volume. Le vase devient une forme construite, presque un idéogramme en trois dimensions, où l’équilibre naît du contraste entre poids, ouverture et lumière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eHitomi Masatsugu est documenté comme professeur au département des arts appliqués de l’Université des Arts d’Osaka. Les sources japonaises le rattachent à l’enseignement de la céramique et aux expositions de \u003cem\u003eSōdeisha\u003c\/em\u003e, notamment dans les années 1990.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCe vase constitue une œuvre représentative de cette génération de céramistes japonais pour qui l’argile devient le matériau d’une pensée plastique autonome. Par son équilibre entre surface crème, éclat argenté et structure ajourée, il conserve une forte présence décorative tout en relevant d’une démarche artistique exigeante.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur 32,5 cm ; largeur 35 cm ; épaisseur 4,5 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54093974176090,"sku":null,"price":1600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/8D0309F3-601B-4A78-BE59-EB44207A2160.jpg?v=1777820102"},{"product_id":"petite-aiguiere-d-ecritoire-archaisante-en-bronze-dore-chine-ou-japon-xviie-siecle-1","title":"Compte goutte, Petite aiguière d’écritoire archaïsante en bronze doré, Chine ou Japon, XVIIe siècle","description":"\u003ch2\u003ePetite aiguière d’écritoire archaïsante en bronze doré\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eChine ou Japon, XVIIe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePetite aiguière en bronze à patine brun-noir, avec traces importantes de dorure ancienne. Le corps globulaire repose sur un petit pied circulaire. Le col cylindrique, haut et étroit, reçoit un couvercle à bouton sphérique. Le bec tubulaire, relevé, équilibre la silhouette compacte de l’objet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa panse porte une frise archaïsante en léger relief, composée de motifs géométriques dérivés du leiwen et de masques stylisés issus du vocabulaire des bronzes rituels chinois. Ce décor inscrit la pièce dans le goût lettré pour les formes antiques, largement partagé en Chine et au Japon au XVIIe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’anse est formée par une petite bête fantastique accroupie, fixée à la panse et reliée au col. Son traitement compact, avec le corps ramassé et la tête relevée, rapproche l’objet des petits bronzes d’écritoire, suiteki japonais ou water droppers chinois, plutôt que des aiguières rituelles de grand format. L’animal appartient au répertoire des créatures auspicieuses et archaïsantes utilisées dans les objets de cabinet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa distinction entre production chinoise et japonaise reste délicate pour ce type de pièce. Le décor de tradition chinoise, la dorure usée et la frise archaïsante peuvent orienter vers la Chine. La petite échelle, la fonction probable d’objet d’écritoire et le traitement inventif de l’animal sont également compatibles avec une production japonaise ancienne. La désignation « Chine ou Japon, XVIIe siècle » demeure la plus rigoureuse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÉtat : usures de surface, oxydations localisées, patine ancienne, traces de dorure conservées par plages. Petit manque à à tige sortant de la bouche de l’animal. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHauteur : 11 cm. Largeur : environ 9 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54163375128922,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/02A20CFA-067C-4B73-838E-592E82C98AE4.jpg?v=1779946823"},{"product_id":"boite-a-documents-en-laque-a-decor-de-pivoines-et-motif-rikyu-hanabishi-xixe-siecle","title":"Boîte à documents en laque à décor de pivoines et motif Rikyū hanabishi, XIXe siècle","description":"\u003cp\u003eGrande boîte rectangulaire en laque urushi décorée en or sur fond noir selon plusieurs techniques de maki-e, dont le nashiji, le hiramaki-e et le takamaki-e.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe décor principal associe un panier débordant de pivoines et un vaste réseau géométrique intégrant le motif héraldique Rikyū hanabishi, variante raffinée du hanabishi associée à la culture du thé et à l’univers esthétique de Sen no Rikyū.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’intérieur du couvercle présente un décor nuagé en or sur fond brun-noir saupoudré d’or, animé d’un vol de moineaux dispersés dans différentes directions. Le fond de la boîte reprend un décor plus sobre de nuages en poudroiement d’or sur fond noir brun.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eProduction de haut niveau du XIXe siècle.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eÉtat : bon état général, quelques traces minimes d’usage.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDimensions : 41 × 32 cm ; hauteur : 14 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54163393741146,"sku":null,"price":5600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/IMG-9699.jpg?v=1780428837"},{"product_id":"ito-kosho-伊藤公象-1932-2024-vase-ovoide-a-surface-argentee-craquelee-japon-xxe-siecle-1","title":"Itō Kōshō 伊藤公象 (1932-2024), vase ovoïde à surface argentée craquelée, Japon, XXe siècle","description":"\u003ch2\u003eItō Kōshō 伊藤公象 (1932-2024), vase ovoïde à surface argentée craquelée, Japon, XXe siècle\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eVase de forme ovoïde, reposant sur une base légèrement triangulaire, avec un col court et resserré. La forme est sobre, mais la surface lui donne toute sa singularité. Elle est couverte d’un réseau dense de craquelures, de plis et de retraits qui évoquent une matière saisie dans un état de contraction. L’aspect gris argenté, métallique, éloigne cette œuvre de l’idée d’une simple glaçure décorative. La surface paraît née d’un phénomène physique, comme une peau minérale ou gelée. Le vase est accompagné de son tomobako inscrit et signé.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette pièce est très représentative des recherches d’Itō Kōshō sur les transformations de la terre. Les sources muséales japonaises rappellent qu’il a intégré à son travail le gel, le retrait, la fissuration et la contraction de la matière, non comme des accidents, mais comme le principe même de la création. Son œuvre se situe ainsi à la frontière de la céramique et de la sculpture.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eItō Kōshō a réalisé de très nombreuses œuvres de grand format, ainsi que d’importantes installations. Ce vase est donc particulièrement intéressant parce qu’il concentre, dans un volume réduit et fermé, des recherches que l’on associe souvent chez lui à des pièces monumentales ou à des ensembles sculpturaux. Ici, la forme du vase subsiste, mais le vrai sujet devient la surface, avec ses tensions, ses craquelures et ses effets de matière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eNé en 1932 à Kanazawa, Itō Kōshō est l’un des grands pionniers de la sculpture céramique japonaise de l’après-guerre. Il fut formé très jeune auprès de Nakamura Suikō, développa ensuite un langage très personnel centré sur les réactions physiques de la terre, et mena une carrière internationale, marquée notamment par une médaille d’or à la Triennale de l’Inde en 1978 et par sa participation à la Biennale de Venise en 1984. Il est mort en 2024.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSes œuvres sont conservées dans plusieurs collections publiques importantes au Japon, notamment au Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, au Museum of Contemporary Art Tokyo, au Utsunomiya Museum of Art et au National Museum of Art, Osaka. Une pièce d’Itō Kōshō est également conservée au musée de Sèvres en France.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCe vase montre bien ce qui fait l’originalité d’Itō Kōshō : faire de la terre elle-même, de ses réactions physiques et de ses métamorphoses, le centre de l’œuvre.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 26 × 18 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54194206376282,"sku":null,"price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/2DD2AACA-FF4F-4A10-B285-3098C2C88622.jpg?v=1779946496"},{"product_id":"paire-de-kaioke-a-decor-d-eventails-kamon-de-la-famille-ichijo-japon-epoque-edo","title":"Paire de kaioke à décor d’éventails, kamon de la famille Ichijō, Japon époque Edo","description":"\u003ch2\u003ePaire de kaioke à décor d’éventails, kamon de la famille Ichijō\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJapon, époque Edo, fin du XVIIIe – début du XIXe siècle. Laque noire \u003cem\u003eroiro\u003c\/em\u003e, décor en \u003cem\u003emaki-e\u003c\/em\u003e d’or sur fond noir et sur fonds dorés, utilisant différentes densités et nuances de poudre d’or.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette paire de \u003cem\u003ekaioke\u003c\/em\u003e (貝桶), littéralement « récipients à coquillages », était destinée à conserver et présenter les coquilles utilisées pour le \u003cem\u003ekai-awase\u003c\/em\u003e, jeu aristocratique d’appariement de coquillages. Le terme japonais n’emploie pas \u003cem\u003ehako\u003c\/em\u003e \/ \u003cem\u003ebako\u003c\/em\u003e, « boîte », mais \u003cem\u003eoke\u003c\/em\u003e, qui désigne un récipient cylindrique ou un cuveau ; cette nuance correspond à la forme haute de ces grands contenants de cérémonie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes boîtes présentent une forme cylindrique à pans coupés et reposent chacune sur un plateau à pied. La surface en laque noire \u003cem\u003eroiro\u003c\/em\u003e est animée par un décor d’éventails déployés. Chaque éventail forme une réserve picturale, avec paysages, motifs végétaux et compositions décoratives traités en \u003cem\u003emaki-e\u003c\/em\u003e d’or. L’alternance des fonds noirs, des fonds dorés et des nuances brun-or donne au décor une grande présence sans rompre l’équilibre de l’ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes plateaux portent des \u003cem\u003ekamon\u003c\/em\u003e identifiés comme ceux de la famille Ichijō. Cette présence héraldique situe l’objet dans un contexte de commande ou d’usage aristocratique, et non dans une production décorative ordinaire.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa famille Ichijō, ou Ichijō-ke, appartient aux \u003cem\u003ego-sekke\u003c\/em\u003e, les cinq maisons de régents issues du clan Fujiwara, avec les Konoe, Kujō, Nijō et Takatsukasa. À l’époque Edo, ces lignages conservent un prestige de cour considérable et restent associés aux plus hautes charges aristocratiques, notamment celles de \u003cem\u003esesshō\u003c\/em\u003e et de \u003cem\u003ekampaku\u003c\/em\u003e. La présence du kamon Ichijō sur des \u003cem\u003ekaioke\u003c\/em\u003e rattache donc l’ensemble à un milieu de très haute aristocratie, où les objets de laque participaient au cérémonial familial et à l’affirmation du rang.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe \u003cem\u003ekai-awase\u003c\/em\u003e consistait à retrouver les deux valves d’un même coquillage. Dans le contexte du mariage, ce jeu prenait une valeur symbolique forte : deux valves issues d’un même coquillage ne pouvant s’accorder qu’entre elles, elles évoquaient l’union conjugale, la fidélité et l’harmonie du couple. Les \u003cem\u003ekaioke\u003c\/em\u003e faisaient ainsi partie des objets raffinés du trousseau aristocratique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBon état de conservation. Traces d’usage minimes compatibles avec l’ancienneté de l’ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDimensions : hauteur 35 cm ; diamètre 48 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54219113988442,"sku":null,"price":8500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/005EFFDF-46C6-45E5-A557-D477378CDF4D.jpg?v=1780236507"},{"product_id":"suzuribako-en-laque-a-decor-de-moineaux-au-bord-de-l-eau-fin-edo-debut-meiji","title":"Suzuribako en laque à décor de moineaux au bord de l’eau, fin Edo-début Meiji","description":"\u003ch2\u003eSuzuribako en laque à décor de moineaux au bord de l’eau\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJapon, fin de l’époque Edo ou début de l’époque Meiji, XIXe siècle\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSuzuribako en laque noire, à décor d’or exécuté en \u003cem\u003etakamaki-e\u003c\/em\u003e et \u003cem\u003ehiramaki-e\u003c\/em\u003e sur fond \u003cem\u003ero-iro\u003c\/em\u003e légèrement poudré \u003cem\u003enashiji\u003c\/em\u003e. Le couvercle montre plusieurs moineaux volant au-dessus d’un petit cours d’eau bordé d’herbes, tandis qu’au premier plan d’autres oiseaux sont posés sur des fagots de graminées. Le dessin joue avec beaucoup d’élégance sur l’opposition entre la masse sombre du fond, la sinuosité lumineuse du ruisseau et la vivacité des oiseaux. La technique d’or sur fond noir, particulièrement séduisante ici, appartient à l’un des grands langages du laque japonais du XIXe siècle.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’intérieur du couvercle reprend le même paysage, sans les moineaux, tandis que deux oiseaux figurent encore sur la boîte intérieure. Le compartimentage peut être retiré dans sa partie basse, et le décor se poursuit sous cette partie cachée. Ce détail est important : il signale une exécution particulièrement soignée, où le décor est pensé dans la totalité de l’objet et ne s’interrompt pas aux seules parties immédiatement visibles. Des pièces conservées dans les collections japonaises montrent bien que cette continuité décorative intérieure est tenue pour un signe de très grande qualité.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa boîte contient sa pierre à encre au bord doré, ainsi qu’un petit récipient à eau en argent, posé dans une corolle argentée elle-même montée sur une base de métal doré. Ce raffinement dans le traitement du \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e et de son support répond à la richesse du décor de laque et renforce l’unité précieuse de l’ensemble. Le suzuribako a conservé son tomobako d’époque.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe sujet des moineaux au bord de l’eau s’inscrit dans une longue tradition décorative japonaise où oiseaux, herbes et ruisseaux permettent de construire un espace vivant, rythmé et immédiatement lisible. Ce type de composition, qui associe le mouvement de l’oiseau et le fil de l’eau, trouve plusieurs parallèles dans les suzuribako anciens à décor de rivière et d’oiseaux, notamment dans des œuvres conservées au Tokyo National Museum et au Kyoto National Museum.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePar son fond noir très profond, ses rehauts d’or, la qualité de son décor poursuivi jusque dans les parties cachées et le soin apporté aux éléments intérieurs, ce suzuribako se rattache à une production de belle tenue, que l’on peut situer à la charnière de la fin Edo et du début Meiji.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e hauteur 4,5 cm ; largeur 22 cm ; profondeur 23,5 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54223240429914,"sku":null,"price":3800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/4D9EA7B7-6114-4357-8003-6042E676F5B0.jpg?v=1780380098"},{"product_id":"ensemble-bunko-et-suzuribako-au-decor-des-sept-sages-de-la-foret-de-bambous-japon-xixe-siecle","title":"Ensemble bunko et suzuribako au décor des Sept sages de la forêt de bambous, Japon XIXe siècle","description":"\u003ch2\u003eEnsemble bunko et suzuribako au décor des Sept sages de la forêt de bambous\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJapon, fin de l’époque Edo – début de l’époque Meiji, XIXe siècle\u003cbr\u003eLaque maki-e d’or sur fond nashiji brun, hiramaki-e, takamaki-e, incrustations de nacre aogai, pierre à encre et suiteki en bronze\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCet ensemble se compose d’un \u003cstrong\u003ebunko\u003c\/strong\u003e, boîte à documents, et d’un \u003cstrong\u003esuzuribako\u003c\/strong\u003e, boîte destinée aux instruments d’écriture. Les deux pièces forment une suite cohérente par leur décor, leur technique et leur sujet : les \u003cstrong\u003eSept sages de la forêt de bambous\u003c\/strong\u003e, ou \u003cem\u003eChikurin shichiken\u003c\/em\u003e en japonais.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe thème, d’origine chinoise, évoque un groupe de lettrés du IIIe siècle, poètes, musiciens et penseurs, réunis dans une bambouseraie à l’écart de la cour. Dans les arts japonais, il appartient au répertoire des sujets lettrés d’inspiration chinoise. Il convient particulièrement à un ensemble lié à l’écriture, à la conservation des papiers et à la préparation de l’encre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe décor extérieur présente les sept sages dans une forêt de bambous. Les figures, les rochers et les détails du paysage sont traités en maki-e d’or sur fond nashiji brun. Le décor associe le \u003cem\u003ehiramaki-e\u003c\/em\u003e, pour les parties dessinées en surface, et le \u003cem\u003etakamaki-e\u003c\/em\u003e, pour les reliefs. La nacre \u003cem\u003eaogai\u003c\/em\u003e irisée intervient dans les détails du décor, notamment dans les bambous. Un des sages tient une feuille de papier en nacre claire portant une inscription, qui correspond peut-être à une signature.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes intérieurs sont également décorés. Les revers des couvercles présentent des paysages en laque d’or, avec pavillons, rochers, arbres et architectures. Le fond de la grande boîte est orné de bambous ; le fond du suzuribako reçoit également un décor de bambous, en écho au thème principal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe suzuribako conserve sa pierre à encre et un \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e en bronze de belle qualité. Ce compte-gouttes d’eau, d’un type sculptural et assez inhabituel dans un nécessaire d’écriture, renforce le caractère savant et précieux de l’ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa qualité d’exécution est élevée. Le nashiji est dense, les reliefs sont bien construits et l’usage de la nacre est maîtrisé. L’ensemble associe la fonction lettrée des boîtes à un décor raffiné, nourri par la culture chinoise classique et interprété dans le goût japonais du grand laque décoratif.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTrès bon état de conservation. Chaque boîte conserve son tomobako d’origine avec inscription ancienne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDimensions du bunko : 45 × 39 × 21 cm.\u003cbr\u003eDimensions du suzuribako : 29 × 25,5 × 10 cm.\u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54229199356250,"sku":null,"price":8500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/7A141E1E-D6E1-470C-84FD-3CC873FC3F0D.jpg?v=1780750029"},{"product_id":"suzuribako-japonais-en-laque-a-decor-de-grues-d-apres-korin-heian-zohiko-taisho-showa","title":"Suzuribako japonais en laque à décor de grues d’après Kōrin, Heian Zōhiko, Taishō–Shōwa","description":"\u003ch2\u003eSuzuribako en laque à décor de grues d’après Kōrin\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eSuzuribako japonais en laque urushi signé \u003cstrong\u003eHeian Zōhiko\u003c\/strong\u003e, Kyoto, époque Taishō–début Shōwa, vers 1920-1940. Le couvercle présente un décor de grues en vol inspiré de l’esthétique d’Ogata Kōrin, sur un fond or traversé par des lignes d’eau stylisées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition repose sur un mouvement diagonal. Les grues sont traitées en nacre \u003cem\u003eraden\u003c\/em\u003e et en étain dans l’esprit des laques Rimpa. La nacre accroche la lumière avec des reflets verts, roses et argentés. Les parties sombres donnent du poids au décor. L’ensemble reste très lisible, presque graphique, avec peu d’éléments et une vraie tension entre les matières.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’intérieur est en laque noire \u003cem\u003eroiro-nuri\u003c\/em\u003e, poli profond. Le plateau est organisé pour l’écriture, avec la pierre à encre, le \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e et les accessoires. La pierre est signée au-dessous. Le \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e circulaire en argent, à décor rayonnant, porte un poinçon japonais. Les bordures de la boîte et du couvercle sont en argent. Le fond de la boîte porte la marque-cachet de Zōhiko en laque d’or.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eInscription et tomobako\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLe \u003cem\u003etomobako\u003c\/em\u003e porte l’inscription \u003cstrong\u003e光琳鶴蒔絵 硯箱\u003c\/strong\u003e, que l’on peut traduire par : « suzuribako à décor de grues en maki-e dans le style de Kōrin ». La signature indique Zōhiko. \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eHeian Zōhiko et l’héritage de Kōrin\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eZōhiko est l’une des grandes maisons de laque de Kyoto. Son histoire remonte au XVIIe siècle, et l’atelier a joué un rôle important dans la transmission du \u003cem\u003emaki-e\u003c\/em\u003e de haut niveau. Ses productions modernes reprennent souvent les grands modèles classiques japonais, en particulier ceux liés à l’école Rimpa.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOgata Kōrin (1658-1716) est l’un des artistes majeurs de cette esthétique. Son influence dépasse la peinture et marque profondément la laque, le textile et les arts décoratifs japonais. Chez Kōrin, les motifs naturels deviennent des signes : l’eau se réduit à un rythme, l’oiseau à une silhouette, le paysage à une surface composée. Ce suzuribako reprend cette intelligence de l’espace. Les grues, symboles de longévité et de bon augure, traversent le couvercle avec une force simple et immédiatement reconnaissable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTrès bon état. Ensemble complet avec \u003cem\u003etomobako\u003c\/em\u003e, pierre à encre signée au-dessous, \u003cem\u003esuiteki\u003c\/em\u003e en argent poinçonné et marque-cachet Zōhiko en laque d’or.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDimensions : environ 22 × 18 cm. \u003c\/p\u003e","brand":"Sinapango ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54242521121114,"sku":null,"price":4500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/files\/IMG-9757.jpg?v=1780739901"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0957\/8568\/1242\/collections\/Photoroom_000_20240910_082723_81fd9f97-1b29-40a2-8544-76114e6b4eb4.jpg?v=1755342458","url":"https:\/\/sinapango.com\/collections\/or-argent-metal.oembed?page=2","provider":"Sinapango ","version":"1.0","type":"link"}